Night After Night에서 @midnight까지: Comedy Central의 구술 역사(3부)

일러스트: 닉 완세르스키

이전에 Comedy Central 구술 역사에서 Dave Chappelle이 발발했다가 파산했으며 Reno 보안관 부서는 "Stephen Colbert"가 진실성을 설교하는 동안 정의를 분배했으며 Keegan-Michael Key와 Jordan Peele은 번역해야 할 분노가 있었습니다. 그리고 1부 : 코미디 채널과 하!의 네트워크의 첫 12년! 에 데일리 쇼 , 사우스 파크 , 그리고 코미디 센트럴 (Comedy Central) 기록.

“2000년에 그곳에 갔을 때 그곳은 거의 Comedy Central 머그나 South Park 체스 세트를 구입할 수 있는 웹사이트였습니다 .”라고 Comedy Central 온라인 부문의 원래 프로그래밍 및 개발 SVP인 Lou Wallach가 말했습니다. “그것은 일종의 post-Broadband 1.0 버블 붕괴였습니다. 사람들은 분명히 온라인으로 볼 수 있는 비디오를 넘겨 보았지만 더 큰 규모의 프로덕션이나 개발을 실제로 시작하지는 않았습니다.”

VH1의 VSPOT 및 MTV의 Overdrive의 맥락에서 2005년 11월 1일 Comedy Central은 짧은 TV 클립과 아웃테이크 및 비하인드 인터뷰와 같은 확장 콘텐츠를 제공하는 5채널 임베디드 광대역 플레이어인 MotherLoad를 출시했습니다. 데일리쇼 , 캔디를 가진 이방인 , 비바 버라이어티! 초기 하이라이트였습니다. Greg Giraldo는 새로운 제품에 대한 1분 분량의 일일 업데이트를 제공했습니다.

새로운 코미디 "농부 팀"과 함께 창의적인 물을 테스트하면서 광고 수익을 늘리면서 네트워크는 또한 온라인 플랫폼을 독창적인 콘텐츠 대상으로 예상했습니다. 획기적인 스푸핑 I Love '30년대 에는 John Mulaney와 Nick Kroll이 소개되었으며 Jim Florentine의 몰래 카메라 시리즈인 Meet The Creeps 는 Comedy Central 파일럿으로 이어졌습니다. 스탠드업 쇼케이스 Live At Gotham 은 이듬해 6부작 시리즈로 성공적으로 TV로 도약했습니다.

두 번째 개발 물결은 과카 몰리 라는 식품 연속극 과 blaxploitation 경의를 표하는 판사 Fudge를 환영했습니다 . 후자는 Draw Together의 제작자 Matt Silverstein과 Dave Jeser가 제작한 것입니다. 정직 이라고 불리는 일련의 진실을 말해주는 삽화 와 The Adventures Of Baxter And McGuire 의 말하는 고환은 주간 에미상 후보로 고려된 최초의 웹 프로그램 중 하나였습니다 .

“AOL과 Yahoo! 그리고 다른 모든 사람들은 다른 사람들의 콘텐츠를 배포하는 사업에 뛰어들려고 했습니다.”라고 Wallach는 말합니다. “우리는 여전히 와일드 웨스트처럼 느껴지는 플랫폼에서 실제 케이블 네트워크의 뒷면에서 미니 케이블 네트워크를 개발하려고 했습니다. 그리고 그것은 매우 흥미진진했습니다.”

자산 이름과 생산 전략은 향후 10년 동안 다른 형태로 나타날 것입니다. 2006년 여름 MTV Networks는 AtomFilms 라이브러리와 직원이 Comedy Central과 합병하여 Comedy Central의 사실상의 온라인 플랫폼인 Atom.com이 될 Atom Entertainment를 인수했습니다. AtomFilms 타이틀에는 Jon Glaser의 Tiny Hands 와 Augenblick Studios가 애니메이션으로 만든 Golden Age가 포함 되어 있으며 Wallach는 이를 " E! 트루 헐리우드 스토리

웹 프로덕션은 광고 판매 및 마케팅 코디네이터가 있는 뉴욕에 남아 있는 경향이 있었습니다. "우리는 작은 전담 팀과 예산 및 비즈니스 업무를 가지고 있었고 온라인에서 작동하는 것을 개발하려고 노력했지만 광고 판매는 처음에 텔레비전 콘텐츠를 연결하려는 시도에서 큰 역할을 했습니다."라고 Wallach는 설명합니다. "현대자동차는 기묘하게 코미디 와 지하철의 집중 과정 이라는 제목의 일련의 스탠드업 수업을 시작 했고 온라인 개발 거래를 제안하는 Test Pilots 인재 검색을 후원 했지만 대부분의 경우 큰 돈은 화면에 남아 있었습니다."

Comedy Central은 회사의 온라인 활동을 광고하거나 재정적으로 지원하기 위해 텔레비전 프로그램을 사용하는 것을 주저했습니다. "TV를 사용하여 트래픽을 웹사이트로 다시 유도할 수 없습니까?" Wallach는 질문을 회상합니다. “내가 얻은 대답은 아니오였습니다. 우리는 여전히 텔레비전 사업을 하고 있었습니다. '채널의 광고주에게 판매할 수 없는 시간은 언제든지 방송에서 프로그램을 홍보하는 데 사용하고 싶습니다. 여러분은 우리를 연결하거나 고객에게 가치를 더하는 데 도움이 됩니다.'”

타협: 2007년 초, Web Shows 는 AtomFilms 최고의 작품 으로 Comedy Central에 왔습니다. 반 시간이 선보일 아톰 TV를 연속적으로 벌리 필름 '의 스케치북 만화 동안 가을 2010 년에 2008 년 여름부터 늦은 밤을 실행 Stickman의 출이 받는 주도 인형로서의 경찰 파일럿 보풀 브렛 겔만과 존 댈리와. (오늘, Waverly Films는 Jon Watts 2017의 Spider-Man: Homecoming을 제작할 예정입니다.) Atom.com은 2012년 Comedy Central로 합병되었습니다. 사내 제작 허브 CC Studios는 2013년 초에 출시되었습니다.

"아무도 이러한 것을 본 적이 없습니다."라고 Wallach는 현재 "디지털" 콘텐츠라고 하는 Comedy Central의 초기 실험에 대해 말합니다. "하지만 우리가 재미있다고 생각하는 사람들과 카메라 뒤나 앞에서 노는 것은 정말 재미있었습니다."

Comedy Central의 디지털 출력은 멀티플랫폼 프로그래밍의 더 큰 측면을 점점 더 많이 포함하지만 더 포괄적으로 성장한 것은 기능만이 아닙니다. 2013년 2월과 2014년 1월 사이에 Tim Heidecker와 Eric Wareheim(Atom.com의 시리즈, Stephen & Steven 은 남근에 부착된 쌍둥이를 따랐습니다)은 Jon Benjamin Has A Van 플레이어 Nathan Fielder와 함께 Nathan For You 를 공동 경영자로 제작 했습니다. 변명의 여지가 없는 스탠드업은 코미디 센트럴 로스트의 악명을 밑그림으로 승화시켰고, 야간 게임 쇼는 인터넷을 깨뜨렸고, 한 쌍의 UCB 희망자들은 새로운 코미디 세대의 얼굴이 되었습니다.

"에이미가 Comedy Central의 전체 풍경을 바꿨다고 생각합니다."

Bridget Everett(반복되는 Inside Amy Schumer 출연자): Amy와 저는 2010년 Just For Laughs에서 만났습니다. 우리 둘 다 Nasty Girls 쇼 에 있었던 것 같아요 . 둘 다 유머감각이 비슷해서 자연스럽게 마음의 만남이 이루어졌다. 나중에, 나는 여전히 테이블을 기다리고 있었고 Amy는 나에게 문자를 보냈다. 코미디 동아리를 해본 적이 없어서 잘 모르겠다. 그녀는 "그냥 나랑 가자. 잘 될거야!” 이것이 에이미의 만트라입니다. "그냥 해보자!" 그녀는 나보다 훨씬 더 "정상적"입니다. 그 쇼는 정말 잘 되었고 나는 그녀와 함께 여행을 시작했습니다.

Kent Alterman(Comedy Central의 사장): 6년 반 전에 네트워크로 돌아왔을 때 첫 번째 업무 중 하나는 재직 기간 동안 다소 연락이 끊겼던 스탠드업 세계로 다시 뛰어드는 것이었습니다. 기능 세계에서 몇 년. 개발 중인 사람들이 나와 관련이 있는 사람을 연결해 주었고 Amy's의 팬이 많았습니다. 그녀는 이미 Live At Gotham출연했습니다.그리고 30분을 완료했습니다. 그녀는 또한 누군가가 나에게 정말 재미있다고 말한 우리의 광고 판매 및 제휴 관계 사람들을 위해 몇 가지 일을 했습니다. 길거리 인터뷰였습니다. 저는 Michael Moore와 2년 동안 작가/감독/프로듀서로 그런 종류의 다큐멘터리를 작업했기 때문에 사람들이 그런 것들을 정말 웃기게 만드는 것이 얼마나 힘든지 압니다. , 그리고 그녀는 그것을 아주 잘했습니다. 그래서 그녀는 즉시 내 레이더에 포착되었습니다.

Jonas Larsen(Talent And Specials 수석 부사장): 우리의 스탠드업 오퍼링은 설정 방식에 있어 매우 신중합니다. 스탠드업은 사실 Comedy Central의 생명선입니다. 우리가 개발하고 개발하는 재능입니다. 처음부터 우리는 우리가 정말 좋아하고 발전할 수 있다고 생각하는 목소리를 식별하기 시작합니다. 정말 인재의 개발 파이프라인입니다. 그래서 우리의 스탠드업 프로그램은 세 가지 범주로 나뉩니다. 떠오르는 신예, 알려지지 않은 젊은 만화입니다. 그런 다음 Half Hour s 의 졸업식입니다 . 그곳에서 그들은 공식적인 일종의 "진짜" 유망주입니다. 그리고 나서 "I've arrival"이라는 시간 스페셜입니다. 산업 용어로 말하자면 일종의 파이프라인 프로세스입니다.

Alterman: 우리는 동시 대화가 되는 대화를 나누기 시작했고 내년에 샌프란시스코에서 촬영한 1시간 스페셜을 포함하는 다면적 개발 계약을 그녀와 체결했습니다. 그리고 그것은 또한 시리즈에 대한 개발 계약을 맺었습니다. 로스트 스팟 이 포함되어 있는지 확실하지 않지만 우리는 그것을 머리에 가지고 있었습니다. [Charlie] Sheen Roast 가 와서 그녀를 Sheen 캠프에 던졌을 때 그들은 저항했습니다. 그리고 그것은 우리가 정말로 그것을 라인에 놓고 매트에 가서 말했습니다, "우리는 그녀가 죽일 것이라는 것을 알고 있습니다. 우리는 그녀를 로스트에 올려야 합니다 !” Charlie와 그의 매니저가 동의했고, Charlie가 Anger Management를 위해 자신의 피치를 공개할 무렵이기도 했습니다. 보여 주다. 그들이 저항했지만 파티에서 그들은 그녀에게 Anger Management 쇼 의 일부가 되려고 접근 했지만 그녀는 이미 우리와 약속했습니다. 그 후 우리는 파일럿을 개발했습니다.

Dan Powell(총괄 프로듀서, Inside Amy Schumer ): 그녀는 Roast 에서 그녀의 공연 후에 네트워크가 제안한 블라인드 파일럿 약속이 있었습니다 . 특히 Charlie Sheen Roast 는 많은 관심을 받았으며 네트워크는 "이봐, 우리는 당신과 함께 뭔가를하고 싶습니다. 우리는 그것이 무엇인지 모르지만 프로듀서를 찾아 쇼가 무엇인지 파악하고 우리에게 다시 가져 오십시오.” 그녀는 2011년 11월쯤 저에게 접근했습니다. 저는 약간의 자유 시간이 있었고, Amy가 저에게 접근했을 때 운이 좋았습니다. 에이미는 쇼가 무엇인지 알 필요가 없었습니다. 네트워크는 그들이 Chelsea Lately 와 같이 늦은 밤에 토크쇼 공간에서 잠재적으로 무언가를 찾고 있다고 암시했습니다.-유형의 것. 그래서 개발을 시작했습니다. 쇼에는 항상 일종의 스케치 요소가 있었지만 Amy가 사람들을 인터뷰하는 스튜디오 홈 베이스가 있는 것이 더 많았습니다.

Kim Caramele(작가, 프로듀서, Schumer의 여동생): 처음에 Amy는 토크쇼 형식으로 파일럿을 계획했습니다. 그녀는 술을 마시고 쇼에 대해 이야기하기 위해 Jessi [Klein]를 만났습니다. 몇 잔의 술을 마신 후 제시는 에이미에게 이번이 정말 특별한 일을 하고 그녀가 꿈꾸던 종류의 쇼를 만들 수 있는 기회라고 말했습니다.

Powell: Amy는 프레젠테이션 회의 48시간 전에 나에게 문자를 보내 이렇게 말했습니다. 루이 하고싶다.” 나는 그녀에게 전화를 걸었다. 왜냐하면 때때로 Amy와 함께 있으면 그녀가 당신과 섹스하고 있는지 또는 그녀가 진지한지 알 수 없기 때문입니다. 그녀는 전화를 받고 “진심이에요. 나 장난하는 거 아니야. 그다지 흥미롭지 않은 일에 이 기회를 낭비하고 싶지 않기 때문에 쇼가 무엇인지 재구성할 것입니다.” Amy는 한때 Comedy Central에서 내 상사였으며 그 부서에서 나와 함께 개발 담당 임원으로 근무했던 Jessi Klein을 만나 술을 마셨습니다. Jessi는 몇 잔의 와인을 마셨고 기본적으로 Amy에게 이렇게 말했습니다. 대부분의 사람들은 자신이 피칭한다는 아이디어를 가지고 와서 스크립트 프로세스를 거친 다음 아마도쏘시면 됩니다. 적어도 가까운 시일 내에 제대로 되지 않으면 Comedy Central에서 이 기회를 다시 얻지 못할 수도 있습니다. 그러니 정말로 당신이 그것을 최대한 활용하고 있는지 확인하십시오.” 그런 종류의 것들이 Amy에게 창의적으로 시작되었다고 생각하고 그녀는 깨달았습니다. “그거 알아? 이 일에 총력을 기울이자.”

Caramele : 제시는 나의 영웅과 이상은 내 영혼-무엇보다 동물 - 내 영혼보다입니까? 농장 ? Jessi는 글쓰기 기간 동안이든, 촬영 중이든, 아니면 그냥 섹스를 할 때이든 당신과 함께 방에 있고 싶은 사람입니다.

파월: 다음 날 에이미와 나는 다시 만나 첫 번째 치료를 폐기하고 처음부터 다시 작성했습니다. 우리는 그녀가 사람들과 어울리지 않게 잘 지내기 때문에 전면적으로 우리가 일부 스탠드 업과 일부 맨-온-스트리트를 원할 것이라는 것을 알고 있었습니다. 그런 다음 Key & PeeleKroll Show 에서 우리 자신을 분리하고 싶었기 때문에 당시에 "비네트"라고 불렀던 이 스케치를 실제로 구축했습니다 .Amy는 항상 자신의 무대 페르소나 버전인 "Amy"를 연기할 예정이었습니다. 그녀는 가발을 쓰고 화장을 많이 하고 다른 이름을 가진 크고 넓은 캐릭터를 연기하지 않을 것입니다. 그리고 스케치는 스케치 대신 작은 단편 영화처럼 더 영화적일 것입니다. 우리는 함께 치료를 받았고, 하루 뒤에 Comedy Central에 투구했습니다. 그들은 "이봐, 우리는 이미 파이프라인에 많은 스케치를 가지고 있어서 당신이 그것을 더 어렵게 만들고 있을지도 모른다. 하지만 이것이 정말로 당신이 하고 싶은 일이라면 예산 범위 내에서 계속 하십시오.”

Caramele: 스탠드업 외에도 Amy는 매우 강한 배우입니다. 그래서 스탠드업, 스케치 및 맨-온-스트리트가 통합된 쇼를 갖는 것은 Amy의 모든 장점을 플레이하는 더 좋은 방법처럼 보였습니다. 에이미는 여전히 제시와 그 순간에 대해 이야기하고, 그녀가 그 순간에 더 크게 생각하도록 격려받은 것에 대해 너무 감사합니다.

파월: 제시가 에이미와 미팅을 한 후 제시와 저는 매우 친했기 때문에 제시가 프로덕션에 합류하는 것이 자연스러워졌고 실제로 그녀는 수석 작가로 우리의 첫 번째 고용이었습니다. 그래서 그녀는 거의 처음부터 매우 관여했고, 솔직히 쇼의 형식은 쇼에 대해 Amy와 나눈 초기 대화에 큰 빚을 지고 있습니다.

Kurt Metzger(스태프 라이터, Inside Amy Schumer ): 저는 Amy와 한동안 친구 사이였습니다. 그래서 Amy는 파일럿 작업을 시작할 때 저에게 전화를 했습니다. 저, 제시 클라인, 에이미, 그녀의 친구 브랜든 스나이더, 댄이었습니다. 우리는 파일럿을 썼습니다. Dan은 만화로 많은 일을 했기 때문에 이미 Amy와 연결되어 있었습니다. 그리고 그녀는 단지 나를 아는 것으로부터 나를 고용하기를 원했습니다.

Powell: 처음부터 끝까지, 파일럿을 마무리하기까지 직원을 시작하는 과정은 4주도 채 걸리지 않았습니다. 그리고 2012년 4월경 또는 그 직후 Inside Amy Schumer 가 선택되었습니다. 원래 파일럿 ​​이름은 Come Inside With Amy Schumer 로 훨씬 더 길고 훨씬 더 생생한 성적 완곡어법이었습니다. 시리즈로 나왔을 때 단순화했습니다.

Chris Hardwick: Amy Schumer 내부 는 훌륭합니다. 나는 슈머가 스탠드업 코미디 역사상 가장 훌륭하고 통찰력 있는 스케치를 몇 개 완성했다고 생각한다.

Colin Quinn: Amy's는 분명히 놀라운 쇼입니다. 믿을 수 없군. 그것들은 모두 재미있는 스케치이지만 두 개의 스케치 중 하나는 걸작이라고 말하고 싶습니다.

Jillian Bell ( Idiotsitter , Workaholics ): 저는 Amy Schumer를 사랑합니다. 나는 그녀가 매우 재능이 있다고 생각하고 그녀가 모든 코미디언을 위해 하는 일을 사랑합니다. '여자'라고 하려고 했는데 '모든 코미디언'이라고 말하고 싶어요.

Lisa Lampanelli: 지금 여성 만화가 이렇게 잘 표현되고 있다는 것이 믿기지 않습니다. Amy는 남자들만큼 똑똑하고 누구보다 섹시합니다. 그녀는 단지 천재입니다.

나타샤 레제로: 나는 그녀의 쇼를 좋아합니다. 나는 항상 그녀와 그녀가 코믹하게 갈 수 있는 곳에 경외감을 느낍니다. 그녀는 항상 사람들이 말하는 것의 정점에 있습니다.

Michele Ganeless(전 Comedy Central 회장): 그녀의 쇼는 스케치 쇼의 관점에서 매우 독특합니다. 헤드 라이터 제시 클라인과 함께 하면 글이 엄청나게 강력해진 것 같아요.

Caramele: 우리의 수석 작가인 [Klein]은 가장 재미있는 것을 테이블에 가져올 뿐만 아니라 모두가 자신의 피치와 장면을 더 잘 만들 수 있도록 도와줍니다. 나는 그녀와 함께 일하고 그녀의 작품을 보면서 많은 것을 배웠다는 것을 알고 있습니다. 그녀는 내 글쓰기와 내가 세트에 접근하는 방식을 완전히 향상시켰습니다. 연기자로서 그녀는 화면에 나올 때마다 너무 히스테리합니다. 지난 시즌에 그녀는 스케치 중 어떤 것도 할 수 없었습니다. 그녀는 보는 것이 너무 재미있기 때문에 정말 낙담했습니다. 내가 말하는 것은 "Jessi Klein, 이 장미를 받아주시겠습니까?"입니다.

크리스틴 냉글 (직원 작가, 내부 에이미 슈머가 ) : 시간 시즌 주위에 두 오른쪽 크롤 쇼 포장 된 최대-I가 쓴 크롤 쇼 시즌 두 세) 난에서 함께 쓴 -Jessi 클라인, 대한 SNL , 나에게하는 띄워 Inside Amy Schumer 시즌 2 작성을 신청하십시오 . 나는 시즌 2, 3, 4에 대해 썼다.

Rachel Feinstein(반복 출연자, Inside Amy Schumer ): Kyle Dunnigan은 정말 재미있습니다. 그는 쇼와 Kurt Metzger, Christine Nangle을 위해 글을 쓰고 출연하고 있습니다. 그래서 그녀에게는 훌륭한 작가들이 있고 그들은 쇼에서 가장 터무니없는 일을 하는 것을 두려워하지 않았습니다. 모두가 그것을 알고 그것을 위해 간다고 생각 합니다.

Mike Lawrence(스태프 라이터, Inside Amy Schumer ): 그 작가의 방은 제 직업 생활에서 최고의 경험 중 하나입니다. 당신은 항상 다른 곳에서는 느낄 수 없는 방식으로 그곳에서 존경을 받습니다. 그리고 당신은 당신이 좋은 일을 할 것이라는 것을 알고 있습니다. 당신은 몇몇 쇼에서 일하고 있고, 당신은 품질 관리가 무엇인지 전혀 모릅니다. 그 쇼는 높은 품질 관리와 높은 혈통을 가지고 있습니다.

Nangle: 저는 말 그대로 "여자들이 그런 걸 쓰는 걸 좋아하지 않는다"는 말을 들은 쇼에서 일했습니다. 그래서 내가 원하는 것을 편안하게 던질 수 있고 괴물처럼 느껴지지 않는 방에 있다는 것은 비현실적이었습니다. 이 쇼가 일어날 수 있는 지점에 도달하기 위해 테이블에 오르기 위해 많은 헛소리를 겪어야 했던 나보다 앞선 여성 작가들에게 감사함을 느꼈다.

Metzger: 남성 시청자와 여성 시청자가 꽤 균등하게 나뉩니다. 나는 그것을 "칙칙폭폭" 같은 것이 아니라 만들고 싶었다. 하지만 우리는 항상 Comedy Cellar에서 어울리고 그녀가 코미디를 쓰는 방식은 내가 하는 방식과 비슷합니다. Amy는 또한 살인자 여배우입니다. 그녀를 보면서 정말 많은 것을 얻었습니다. 스탠드업을 하기 전에 먼저 배우였기 때문에 두 가지를 다 해봤다. 그녀는 정말 재능이 있습니다. 그녀는 아주 자연스럽게 움직이고 말하고 반응합니다.

파월: 그녀는 스탠드업 만화를 하기 전에 실제로 훈련된 배우였습니다. 사람들은 그녀를 지금 연기하고 있는 스탠드업이라고 생각하지만 실제로는 그 반대였다. Amy는 Inside Amy Schumer 의 감독 프로듀서인 Kevin Kane을 포함하는 뉴욕시의 극장 조직인 Collective의 창립 멤버입니다 . 방송에서 Collective의 배우들을 많이 볼 수 있습니다. Amy는 매우 충성스러운 친구입니다. 그녀의 친구들도 매우 재능이 있고, 이제 Amy는 그녀의 성공으로 인해 매우 재능 있는 친구들이 더 많은 청중과 주류 성공을 향해 다음 단계를 밟을 수 있도록 도울 수 있는 위치에 있습니다. 그녀가 몇 년 전에 얻은 기회.

Everett: 그녀가 그녀의 쇼를 받았을 때, 그녀는 나에게 스탠드업 부분의 일부가 되어달라고 요청했습니다. 그녀는 “시즌을 마치게 하겠다. 사람들이 당신이 하는 일을 실제로 봤으면 좋겠어요.” 내 쇼였다면 다른 사람이 시즌을 마감하게 했을까요? 아마 그렇지 않을 것입니다. 그러나 그것은 그녀가 얼마나 관대 한지를 보여줍니다. 그녀는 다른 사람들이 잘하기를 원하고 자신의 성공을 주변 사람들과 공유하기를 원합니다.

Feinstein: Amy와 저는 처음 스탠드업을 시작했을 때 스탠드업과 브링어 쇼 등을 통해 만났습니다. 우리는 어울리고 특별 공연을 함께 했고 [2010년 Comedy Central Presents 에피소드와 2013년 Women Who Kill ]을 함께 했고 지금은 함께 살고 있습니다. 우리는 룸메이트입니다! 그리고 그녀는 나의 시간 특별편인 Only Whores Wear Purple 을 제작했고 그녀는 나를 위해 나의 조종사를 제작하고 있습니다.

람파넬리: . 나는 이익을 지난 11 월에 그녀를 만났다, 그녀는 당신이 찰리 쉰 거절하지 않았다면 나에게 뭔가 ", 리사를 좋아했다 로스트 , 내가 그것을 가지고하지 않을 것입니다. 그리고 하나님께 감사드립니다! 그래서 나는 당신에게 매우 감사합니다.” 그래서 그녀는 나를 그녀의 첫 시즌에 쇼에 출연시켜 나를 도왔습니다. 정말 영광입니다!. 얼마나 대단한 일입니까? 그냥 좋아하는 사람을 기억하는 사람은 나와 잘 맞는 것 같아요.

Everett: 그녀는 재미있는 사람들을 사랑하고 그들에게 둘러싸여 있기를 원한다고 말합니다. 그리고 그녀는 사람들이 보지 못한 사람들을 볼 수 있는 기회를 갖기를 원합니다. 나는 확실히 내 노래 중 하나를 그런 전국 플랫폼에서 부를 기회가 없었고, 그것은 내 인생을 정말 바꿨습니다. 내가 한 많은 일들은 사람들이 Inside Amy Schumer 에서 나를 보았기 때문 입니다. 내가 만났던 사람들은 나에게 일자리를 제안했거나 심지어 나와 함께 점심을 먹고 싶어 했고, 그 많은 사람들이 그녀의 쇼에서 나를 보았다.

Feinstein: 그녀는 그녀의 쇼에 정말 많은 뉴욕 만화를 가져와서 그녀에 대해 많은 것을 말해줍니다. 친구들과 함께 하는 것은 언제나 멋집니다. 우리는 " '80s Ladies' 라고 불리는 내가 가장 좋아하는 스케치를 함께 했습니다 . Nikki Glaser도 그 스케치에 있었습니다. 갤런의 헤어스프레이가 바스락거리는 소리와 끔찍한 발 뒤꿈치가 딸깍하는 소리와 함께 우리 모두가 복도를 내려가는 소리를 들을 수 있었습니다. 그러나 그것이 80년대의 전체 아이디어였습니다. 결코 충분할 수 없었습니다. 더 커진 머리, 더 커진 어깨 패드, 더 커진 모든 것. 내 재킷은 미쳤다.

Leggero: ["Gab"]이 정말 재미있고 Amy가 정말 멋지고 즉흥 연주를 많이 했던 것으로 기억합니다. 그들은 그것을 짧은 것으로 함께 편집하지만 그녀가 대본을 벗어나는 방식은 정말 보기 좋았습니다. 대사를 외우고 장면에 4명이 있었고 정말 좋은 일을 하려고 노력하고 있지만 Amy가 정말 재미있고 자유롭게 대본을 벗어나기 위해 이 환경을 만들었다는 것도 알게 됩니다. 그날 우리는 너무 많은 것들을 즉흥적으로 만들었고 그것은 이미 재미있는 장면이었습니다.

Everett: 내가 첫 번째로 한 "Sex Tips"/ Cosmo 스푸핑, 나는 거기에 포함되지도 않았습니다. 우리는 이 테니스를 촬영할 예정이었으나 눈보라가 몰아쳐 다음 시즌에 촬영하게 되었습니다. 그래서 그들은 나를 섹스 팁에 연결했습니다. 닐 브레넌이 연출을 맡았다. 대본이 있었지만 많은 것을 개선할 수 있게 해주었다. 스크립트에 따라 한두 테이크 작업을 하면 "좋아, 그냥 좀 놀아봐"라고 말할 것입니다. 거리의 사람들은 여전히 ​​그 스케치에 대해 나에게 다가옵니다.

Nangle: Amy가 애완동물 무리를 입양하고 그들을 제거하려고 하는 곳이 있습니다. 정말 어리석은 일이지만 그녀는 너무 헌신적이어서 내가 그것을 좋아합니다. 나는 또한 이 지난 시즌의 휴대폰 광고를 좋아합니다. Neil Casey가 썼고 지금 당장은 TV 광고를 매우 효율적이고 우스꽝스럽게 무너뜨립니다. 꽤 이기적으로 나는 "You Can't Go In There"에 부분적입니다. 왜냐하면 그것은 제가 UCB에서 몇 년 전에 쓴 스케치이기 때문입니다. Amy는 그것을 가지고 굴렀고, 나는 그것이 다시 빛을 보게 되었다는 것을 믿을 수 없습니다.

파월:제가 가장 좋아하는 스케치는 "Girl, You Don't Need Makeup" 뮤직 비디오인 것 같아요. 코멘터리도 훌륭하고 정말 웃기지만 정말 중독성 있는 노래에요! 그게 진짜 보이 밴드 노래이고 웃음을 위해 덜 연주되었다면 진심으로 그 노래가 라디오 히트를 했을 수 있다고 생각합니다. 저희 유튜브 영상에는 기본적으로 그런 정도의 댓글이 많이 있습니다. 나는 이것이 정말로 재미있고 잘 만들어진 것 외에도 매우 좋은 노래라는 사실에 충격을 받았습니다. Kurt Metzger가 그 아이디어를 제안하고 초기 초안을 작성했습니다. 그런데 그게 작가의 방으로 들어왔고, 모두가 뛰어들어가서 작사에 참여했다. 그런 다음 우리는 실제 보이 밴드 노래처럼 들리는 노래를 만들어야했습니다. 음악 배경이 있는 우리의 작가이자 프로듀서인 Kyle Dunnigan이 프로듀서를 데려와 도움을 주었습니다.Kyle는 듣기에 정말 재미있는 노래를 작곡한 다음, 정말 전문적으로 들리는 트랙으로 프로듀싱했습니다.

Metzger: 저는 비밀 요원 스케치 [“Operation Enduring Mouth”]를 좋아했습니다. 그것은 내가 쓴 것이고, 제시 클라인이 그녀의 이름이 "버터페이스"라는 아이디어를 생각해 냈기 때문에 정말 웃기게 나왔다고 생각합니다. "Down To Earth"는 내가 정말 만족스럽게 쓴 것인데, Amy는 그녀가 유명함에도 불구하고 여전히 지상에 내려와 있음을 보여주려고 노력하고 있습니다. 세금 이유.

로렌스: 내가 가장 좋아하는 스케치는 그들이 어떻게 아이를 낳지 않았는지에 대해 이야기하는 곳입니다. 그리고 저는 "내 보지가 너무 말라서 아래 에서 프레이저 마라톤 과 같습니다 ."라고 말했습니다. 나는 그것을 매우 자랑스럽게 생각합니다. 총 스케치에서 크롤러의 화면 하단에 "어린이를 위해 구입한 모든 총에는 무료 미니언 토트백이 함께 제공됩니다 ." 라는 농담이 있었습니다 . 그리고 컨셉부터 피치, 완성까지 제가 쓴 스케치에는 Julianne Moore와 Jennifer Hudson이 있었습니다. 그것도 꽤 멋져요.

Alterman: 과거에는 "pussy"라는 단어와 "dick"이라는 단어가 모두 형용사로 사용할 수 있었지만 명사로는 사용할 수 없었습니다. 어느 시점에서 그들은 성적인 것이 아닌 한 사람들이 자신의 거시기를 언급하는 것을 허용하기 시작했지만 해부학적으로 그것을 참조할 수 있었습니다. 그래서 Amy Schumer 사람들은 "그렇다면 왜 우리는 같은 방식으로 'pussy'를 언급할 수 없을까요?"라고 말했습니다. Standards And Practices는 "예, 합리적으로 들립니다."라고 말했습니다.

캐러멜: 그것은 우리 모두에게 중요했습니다. 어딘가에 Comedy Central Standards And Practices(내 생각에는?)에 우리 쇼 중에 "pussy"라는 단어가 삐걱거리지 않고 방송될 수 있도록 호소하는 매우 명확하고 아름답게 표현된 편지가 있습니다. Dan은 편지를 썼고 "dick"이라는 단어는 특정 상황에서 삐 소리 없이 방송될 수 있다고 지적했으며 우리는 동일한 규칙이 "pussy"라는 단어에도 적용되어야 한다고 주장했습니다. 공정하기 때문에 공정합니다.

Larsen: 우리는 우리의 언어를 발전시키기 위해 항상 표준 및 관행 직원과 지속적인 대화를 하고 있습니다. 우리는 항상 최전선에 서기를 원합니다. 언어는 말 그대로 코미디의 생명선이자 표현이며 특정 단어를 검열함으로써 본질적으로 스턴트 코미디입니다. 그것이 항상 우리의 철학이었습니다. 우리는 다른 사람들이 무엇을하고 있는지 풍경을 보지만 항상 책임을 주도하고 싶습니다. "dick"은 말할 수 있지만 "pussy"는 말할 수 없다는 사실이 정말 그리운 느낌이었습니다. 하나를 말할 수 있으면 다른 하나를 말할 수 있어야 합니다. 나는 그것이 상식이라고 생각한다.

Nangle: 우리가 쓰기로 선택한 주제는 매우 심각할 수 있으므로 가볍고 재미있게 유지하고 어두운 부분을 얻으려는 노력이 효과적일 수 있습니다.

Leggero: 코미디언으로서 사람들이 쇼를 진행하는 것을 지켜보는 것은 멋진 일입니다. 왜냐하면 그것이 당신에게 영감을 주고 당신만의 쇼를 가질 때 유익하기 때문입니다: 세트장에서 그 재미를 창조하려고 노력하는 것은 사람들에게 격려가 됩니다. 놀아요.

로렌스: 나는 에미상 시상식이 열렸을 때 내가 일을 하고 있다는 것을 알고 있었습니다. 그리고 나는 그들이 이기기를 원하는지 지기를 원하는지 몰랐습니다. "그들이 이기면 에미상을 수상한 쇼에 글을 쓰는 것입니다. 놀랍습니다. 그러나 맙소사, 그것은 많은 압력을 가합니다." 하지만 에미상을 수상한 그들과 함께 하게 되면서 자신감이 생겼습니다. 당신은 당신이 최고의 사람들과 함께 일하고 있다는 것을 알고 있습니다. 나는 항상 그 방에서 가장 재미없는 사람처럼 느껴졌고 그것이 도움되었습니다 .

Caramele: 에미상 후보에 오른 것은 제가 자랑스럽게 생각하는 것보다 더 멋있게 느껴졌습니다. 후보에 오르기 전에 “오, 우리는 다른 사람들의 칭찬과 외부 확인을 위해 이것을하지 않습니다. 블라 블라 블라를 통해 우리 자신을 표현하는 것이 중요하기 때문에 우리가 이것을 하는 것입니다.” 하지만 우리가 지명된 두 번째 순간에 저는 Amy와 함께 침대 위에서 이리저리 뛰어다니고 있었고 누군가가 저에게 정량화할 수 있는 물리적 검증의 조각상을 건네줄 것이라는 제 손가락을 꼬고 있었습니다. 난 내 에미를 정말 사랑해. 너무 예뻐요. 스탠리 컵처럼 회의에 가져갑니다. 사람들이 많이 화를 냈지만 나는 개의치 않는다. 그리고 원합니다 . 오, 죄송합니다. 또한 우리 작가들의 놀라운 협력과 팀워크를 인정하기 때문에 후보에 오르게 되어 기쁩니다. 트로피를 하나 더 주세요! 죄송합니다.

Nangle: 일반적으로 우리의 수상에 대한 나의 반응은 "우리가 이것을 어떻게 벗어나고 있습니까?"가 혼합되어 있습니다. 그리고 "그래, 대만족입니다 ." Peabody의 경험은 초현실적이었습니다. 이 멋진 행사에 앉아 있는 우리 모두는 말 그대로 자신의 일을 위해 목숨을 걸고 온 기자들 옆에서 영예를 안았습니다. 그런 다음 Tina Fey가 내가 예상하지 못한 우리의 상을 수여했고 그녀는 내가 쓴 스케치에 대해 이야기하기 시작했고 나는 매우 감동했습니다. 나는 "나는 우리가 너무 자랑스러워", "실수가 있었어", "나는 어리석은 인생에서 다른 좋은 생각은 없을 것"이라는 느낌을 받았습니다.

Alterman: 스케치 쇼에서는 성공하더라도 항상 기본 제공 수명이 있습니다. 그들은 엄청나게 노동 집약적입니다. 따라서 "누군가가 계속해서 생성해야 하는 영감과 용기는 얼마나 됩니까?"의 문제입니다. 돌파하는 사람들은 스스로에 대한 높은 기준을 가진 사람들이고, 자신의 스케치 쇼를 만드는 사람이라면 세상에서 가장 쉬운 일이 아닙니다. SNL 과 같은 스케치쇼 가 신인 작가나 신인을 영입 하는 데는 이유가 있다. 사람들이 새로운 표현의 길을 찾을 기회가 생길 때마다 다른 곳으로 이동하는 것은 일종의 진화의 자연스러운 과정이라고 생각합니다.

Metzger: 다음 시즌은 마지막 시즌이고 목표는 최대한 재미있게 만드는 것입니다. 나는 내가 쓸 수 있는 모든 것에 꽤 운이 좋다. 그녀가 그렇게 유명해져서 일어나는 일을 볼 때, 그것은 내가 원하는 것이 아닙니다. 나는 단지 돈을 원합니다. 그녀는 스타벅스에 줄을 서고 사람들은 그녀와 이야기하기 위해 그녀의 헤드폰을 그녀의 귀에서 뽑을 것입니다. 그것은 일종의 미친 짓이다.

Powell: 운이 좋게도 이 시대의 가장 놀라운 코미디 재능 중 한 명인 누군가를 만나 인연을 맺게 된 것입니다.

Feinstein: Amy는 Comedy Central의 전체 풍경을 바꿨다고 생각합니다. 그것은 소년 네트워크에 더 가깝고 지금은 완전히 반대이므로 흥미 롭습니다. Nikki Glaser도 마찬가지 입니다. 그녀의 쇼 Not Safe 는 히스테리적입니다. 그들이 점점 더 개방되고 있고 여성 중심의 쇼가 정말 잘하고 있다는 것이 멋지고 훌륭하고 놀랍지 않습니다. 나는 사람들이 그것에 굶주려 있다고 생각합니다.

"매일 밤 수천 명의 사람들이 최소한 어리석은 해시태그 게임의 맥락에서 미국 최고의 코미디언만큼 웃길 수 있습니다."

코미디언이 되기 위한 기준이 있나요?

입국 지점이 첫 월급을 받나요? TV 크레딧이 있습니까? 동료의 수용?

아니면 수천 명의 국제 코미디언과 함께 부모님의 중서부 지하실에서 라이브 트윗을 하면 당신도 그들 중 한 명이 됩니까? 그렇게 하면 비슷한 수의 팔로워가 생기고 태그를 지정하는 바로 그 쇼에 출연할 기회가 생긴다면 어떨까요?

공동 제작자이자 총괄 프로듀서인 Alex Blagg는 @midnight With Chris Hardwick 은 화학에 관한 모든 것이라고 가정합니다. 즉 , 다양한 소셜 미디어에서 작동하는 것이 무엇인지 알고, 순간에 잘 만들어진 농담을 만들고, 다른 사람들의 복합적인 반응에 반응합니다.

전직 워커홀릭 작가는 “매일 밤 건물에 들어오는 성격에 따라 다릅니다 . “창조되는 에너지와 분위기는 항상 그 세 사람과 Chris의 연금술이 될 것입니다. 우리는 즉흥 연주자, 코미디 배우, 스트레이트 스탠드업, 코미디 YouTube 음악가, 그리고 다른 코미디 접근 방식과 에너지를 가진 이 모든 사람들을 한 방에 모았습니다. 때로는 생각하지도 못했던 미친 하모니를 만들어냅니다.”

그리고 집에서 노는 사람들의 경우 온라인 트래픽과 화면에 나오는 소리가 작문 또는 공연 경력의 기반이 될 수 있습니다. 처음부터 매일 인기를 끌었던 @midnight 는 고양이 밈을 순수 예술의 받침대로 끌어올리는 동시에 경기장을 평평하게 하고 정보를 제공하는 동시에 즐겁게 해주는 드문 게임 쇼입니다.

Alex Blagg: 저는 현재 약 5년 동안 Jon Zimelis 및 Jason Nadler와 함께 운영하고 있는 Serious Business라는 프로덕션 회사의 3분의 1입니다. 나는 스탠드업에서 나와서 인터넷 코미디를 하고, 비디오를 만들고 글을 쓰려고 했고, 둘 다 에이전시 세계에서 나왔습니다. 우리는 우리 자신의 쇼를 보기 위해 힘을 합쳤고 , 첫 번째 예정된 프로젝트는 @midnight 의 초기 아이디어 였습니다 .

Hardwick: 2011년 12월에 Comedy Central을 만났고 그들은 "어떤 쇼를 하고 싶습니까?"라고 말했습니다. 나는 G4 의 Attack Of The Show 에서 막 나왔고, “나는 그런 쇼를 하고 싶다. 일종의 '정보 우선, 코미디 2차' 쇼였다. 코미디가 먼저고 정보가 두 번째인 쇼를 하면 어떨까요? Attack 과 같은 종류의 설정 이지만 더 많은 소셜 미디어 참여. 세그먼트는 소셜 미디어에서 더 많은 것을 끌어내고 사람들과 상호 작용할 것입니다.” 나는 John Hodgman, Grace Helbig, Steve Agee, Wil Wheaton과 함께 [ Hardwired ] 파일럿을 했습니다 . 그것은 우리가 @midnight 에서 하게 된 비슷한 주제를 다루었 지만 더 자세한 내용은 Attack Of The Show 에서 다루었 습니다.체재. 그리고 솔직히 말해서, 그것은 아주 잘 테스트되지 않았습니다. 사람들은 그것에 관심이 없었습니다.

블래그:나는 항상 이 작은 아이디어 노트를 보관했습니다. "해시태그 게임에서 서로 경쟁하는 개그맨"이라고 적었습니다. 저는 항상 소셜 미디어 얼리 어답터였습니다. 2008년, 2009년으로 거슬러 올라가도 기억합니다. 이 해시태그 게임이 Twitter에 유기적으로 나타나기 시작하는 것을 보았습니다. Patton Oswalt가 시작했고 내가 팔로우한 코미디언들은 모두 트윗을 올렸고 코미디언이자 트위터에서 웃기려고 하는 사람으로서 나는 너무 흥분해서 원숭이처럼 20개의 농담을 트윗했습니다. 버튼을 계속해서 누르는 것. 그것은 나에게 정말 재미있고 중독성 있는 무언가를 두드렸다. 내 파트너와 내가 시작했을 때, 우리는 트위터를 사용하여 농담으로 경쟁하는 코미디언의 게임 쇼가 될 형식을 확장하고 일종의 형식을 깨기 시작했습니다.

Doug Herzog (Viacom Music and Entertainment Group president): @midnight was built partly on an idea that came to us from Tom Lennon and Ben Garant, about using the content of the digital world as fodder for jokes every day.

Blagg: We set up a meeting and pitched it to Funny Or Die. They liked it and wanted to get involved, and wisely decided that it might be helpful—since my partners and I had at this point done nothing in our careers—to set us up with Tom Lennon and Ben Garant. I was watching The State as a kid, quoting it, and really hung with them all through Viva Variety and Reno 911!. I’ve just been such a massive fan of those guys. When we first had a call with them, we were so nervous just to tell them about the idea. But they were like, “Yeah, it sounds fun. Let’s do it.” And we were just like, “Holy shit! Tom Lennon wants to make a show with us!” From that point we went in with Tom and Ben, pitched it to Comedy Central—they obviously have a longstanding relationship at the network—and Kent and Jim [Sharp] said something like, “Seems like we’d be crazy to not see what this is.”

Hardwick: Comedy Central had shot a pilot for another show called Tweeterdome, created by a company called Serious Business and co-produced by Funny Or Die, and Tom Lennon and Ben Garant.

Jesse Joyce (staff writer, @midnight): Tom hosted the pilot. It used to be called Tweeterdome in the original iteration of it. And it was a lot more Mad Max: It was in the round, the audience was up above, and it was all Twitter-focused.

Blagg: Tweeterdome was an admittedly terrible name. We set it up as playing into the joke of how absurd it is to compete at Twitter, so we made it this super high-stakes, post-apocalyptic Battledome-type thing. There were smoke machines and lasers, and I think there were ninjas involved. It was much more bells and whistles and pomp and circumstance, but it was super fun. At the time we couldn’t find a full-time host, so Tom generously agreed to host the pilot presentation. The panel was Natasha Leggero, Kumail Nanjiani, and “Weird Al” Yankovic, which as a comedy nerd was insane. And it came out great. There were just so many jokes per minute.

Leggero: Tom이 나에게 그것에 대해 이야기했을 때, 멋있게 들렸습니다. 영화와 드라마로 인해 일정상 계속 [진행]을 할 수 없었지만, 컨셉을 보여주고 싶었던 것 같다.

Blagg: 파일럿 프리젠테이션의 큰 메모(내 생각에 똑똑한 메모)는 Twitter 이상으로 확장하고, 모든 소셜 미디어에 대해 더 많이 만들려고 노력하고, Instagram과 Facebook, Tumblr 및 Reddit에서 모든 콘텐츠를 가져오는 것이었습니다. 다른 신흥 소셜 미디어 플랫폼. 그리고 나서 야영지, 종말 이후의 Battledome 물건을 다시 끌어 들이는 것이 옳은 일이었습니다.

Hardwick: Comedy Central은 다음과 같이 말했습니다. 당신의 생각을 알려주세요.” 첫 1분 안에 나는 푹 빠졌다. 완전히 이해가 되었습니다. 그러나 그것은 모두 Twitter 기반이었고 Iron Chef 와 훨씬 더 비슷했습니다 . 정말 좋았습니다. 저는 "들어갑니다!"라고 말했습니다.

Blagg: 우리는 Funny Or Die의 로비와 휴게실에서 테스트 쇼를 시작했습니다. 직원들을 위한 작은 가짜 쇼였습니다. 우리는 그들을 위해 일한 코미디언 중 일부가 경쟁하게 될 것입니다. 그러다 어느 시점에 코미디 센트럴에서 우리에게 전화를 걸어 “그래서 우리는 이 쇼를 하고 싶다. 호스트가 필요합니다. 우리가 했던 다른 조종사가 있습니다. 우리는 호스트를 사랑하지만 쇼에 열광하지 않습니다. 우리가 그것들을 합치면 어떻게 될까요? 크리스 하드윅에 대해 어떻게 생각하세요?” 우리는 "맙소사, 정말 완벽한 사람이구나"라고 생각했습니다. 우리는 모든 총괄 프로듀서, Chris 및 네트워크와 이 회의를 가졌습니다. 그리고 아마 20분 정도의 회의에서 @midnight 가 탄생했습니다. Chris는 " @midnight "에 대한 기발한 아이디어를 가지고 있었습니다. 왜냐하면 그들이 우리에게 그것이 자정에 켜질 것이라고 말했기 때문입니다.

Hardwick: 그때는 봄이었고 Comedy Central은 "10월에 우리는 한 달 동안의 쇼를 제공할 것입니다."라고 말했습니다.

Blagg: Chris가 등장했을 때 우리는 Chris가 공동 소유한 Meltdown에서 2개월 간의 일련의 테스트 쇼를 하기로 결정했습니다. 우리는 다양한 게임을 테스트하기 시작했고, 형식으로 플레이하고, 쇼가 재미있고 빠르게 느껴지도록 하기 위해 문제를 해결하고 해결하려고 노력했습니다.

Hardwick: Meltdown Comics에 이 극장이 있어서 이렇게 말했습니다. “코미디 쇼입니다. 10월까지 매주 라이브로 그 비트를 고정시키자.” 그리고 그것이 우리가 한 일입니다. 우리 는 여름 동안 매주 Meltdown에서 @midnight 라이브를 테스트 하고 일종의 워크샵을 하고 무엇이 효과가 있는지 알아냈습니다. 우리가 방송에 나왔을 땐 이미 20번이나 공연을 했었다.

Ganeless: 그는 그 아이디어에 매우 열정적이었습니다. 그들은 우리가 실제로 땜질하고, 더 좋게 만들고, 더 재미있게 만들고, 게임 쇼 요소를 코미디의 뒷자리에 놓고 코미디를 올리기 위해 실제로 방송하기 전에 몇 주 동안 쇼를 유지했습니다. .

Blagg: Comedy Central은 처음에 한 달 간의 테스트 실행을 위해 우리를 데리러 왔습니다. 그리고 사람들은 처음부터 그것에 정말로 빠져있는 것 같았습니다. 그것은 좋은 평가를 받았고 매일 밤 해시 태그 게임이 무엇이든 내 전체 Twitter 피드를 인수했습니다.

Hardwick: 실제로 더 이상 텔레비전에 스탠드업이 많지 않습니다. Comedy Central은 확실히 가장 많은 것을 가지고 있지만, 예전과 같은 스탠드업 방식은 많지 않습니다. TV 전체에서 말이죠. 저는 항상 만화가 소재를 태우지 않고 재미있는 방식으로 재미있어질 수 있는 쇼를 원했습니다. 따라서 쇼에서 자신의 목소리를 낼 수 있는 정말 좋은 일회용 방법입니다.

Blagg: 코미디 팬으로서 우리는 밤마다 다양한 목소리를 낼 수 있고 그들의 관점을 그날의 주제에 전달할 수 있다는 사실을 좋아합니다. 우리는 우리가 가장 좋아하는 기존 만화뿐만 아니라 젊은 신진 만화를 위한 플랫폼을 제공하고 있습니다. 그들은 매우 지원되고 보호되며 매우 긍정적이고 재미있는 환경입니다.

로렌스: 당신은 최근 Chelsea 와 같은 다양한 패널 쇼를 가졌습니다 . 그리고 당신의 자료를 입수하는 쉬운 방법은 없었습니다. 모두가 서로에 대해 이야기 하고 게임 쇼인 @midnight 에서 하는 방식에 대해 이야기합니다. 형식을 사용하면 모든 사람이 참여할 수 있습니다.

Blagg: 연구원들은 기본적으로 하루를 시작합니다. 그들은 뉴스 사이트에서 최고의 소셜 미디어 사이트에 이르기까지 온라인에서 일어나는 모든 일을 살펴보고 1면의 큰 뉴스부터 그저 멍청하고 이상한 것에 이르기까지 모든 것을 20, 25페이지로 묶습니다. 햄스터!” 물건의 종류. 그런 다음 작가들이 와서 그날의 대본에서 쇼의 보다 주제적인 측면을 형성하기 위해 그 패킷을 살펴봅니다. 총괄 프로듀서와 크리스는 11시 30분경 집필팀과 만나 대본을 살펴보고, 크리스는 변화를 주고 농담을 던지고 마술을 부린다. 그런 다음 작가는 빠르게 다시 작성하고 제작 팀은 모든 비디오 및 사진 요소를 게임 시스템에 가져오기 시작합니다.

Everett: 그들은 당신이 거기에 도착하기 몇 시간 전에 이메일로 "오늘 밤 우리가 이야기할 내용이 있습니다."라고 말합니다. 그들은 당신을 작가와 짝을 지어 농담 제안을 하거나 당신의 것을 사용할 수 있습니다. 그러나 그것은 빠른 과정입니다. 이렇게 짧은 시간에 하는 것 만큼이나 재미있다는 사실이 정말 인상적입니다. 그것은 많은 콘텐츠입니다.

Liza Treyger( Like It With Liza ): 그들이 가진 작가들은 정말 대단합니다. 빠르고 재미있고 촘촘한 농담을 쓰는 것은 재미있는 과정일 뿐입니다.

Blagg: 패널들이 들어와서 준비하고, 자료를 살펴보고 스스로 준비합니다. 그런 다음 매일 오후 4시경에 테이핑이 진행됩니다. 약 1시간 15분이 소요됩니다. 우리는 그 후에 간단한 메모 회의를 하고 편집자들은 나가서 편집합니다. 태평양 표준시 8시 30분에 먹이를 먹고 매일 밤 생방송으로 나옵니다.

로렌스: 그들은 모든 사람의 답변을 녹음하기 때문에 적어도 X개의 라인을 얻을 수 있다는 것을 알 수 있습니다. 그리고 그들은 쇼에 나오는 모든 사람을 멋지게 보이도록 노력하는 훌륭한 일을 합니다.

Treyger: 나는 당신이 리프를 하고 서로를 놀리며 군중에게 연설하도록 격려하는 쇼를 녹화할 수 있는 것을 좋아합니다. 당신은 장난을 칠 수 있고 더 많은 위험을 감수할 수 있는 기회를 제공합니다. 왜냐하면 그들이 당신을 멋지게 보이도록 편집할 것이라는 것을 알기 때문입니다. 작동하지 않는 것을 시도하면 괜찮습니다.

Everett: 그것은 완전히 내 안락 지대를 벗어났습니다. 정말 빠른 속도로 진행되는 데 익숙하지 않은 작업입니다. 그러나 코미디언을 웃게 할 수 있는 것은 언제나 그것의 가장 좋은 부분입니다.

Donnell Rawlings ( Chappelle's Show ): 저는 @midnight 을 즐기지 만 질문에 답하기 위해 사용하는 버튼이 인종차별의 징후를 보여주고 있다고 생각합니다. 내 버튼이 작동하지 않았습니다! 하지만 나는 그것을 세 번이나 했고 다시 하고 싶다고 생각합니다. 왜냐하면 결국 당신의 일이 사람들에게 행복을 가져다주고 사람들을 웃게 하는 것이고 그 댓가로 돈을 받는 것이기 때문입니다. 절대 화내지 마세요.

Blagg: 우리는 사람들이 캐릭터로 쇼를 하는 곳에서 몇 가지를 했습니다. 그 리노 911! 쇼는 훌륭했습니다. 그들은 모두 경찰로 등장했습니다. 우리는 트럼프 대를 했다. 형식을 좀 더 토론 형식으로 변경한 Bernie 토론, 그리고 후보자에게 미친 듯이 좋은 인상을 주는 James Adomian과 Anthony Atamanuik이 그 자리에 있었습니다.

Kerri Kenney-Silver ( Reno 911!): Chris Hardwick은 우리 친구이고 분명히 Tom과 Ben은 그들과 함께 작업했습니다. 그러나 그것은 또 다른 근육, 또 다른 작동 방식입니다. 빠르고 긴장을 늦출 수 없지만 그런 쇼를 하는 것은 항상 재미있습니다.

Gilbert Gottfried: 나는 그 쇼에 익숙하지 않았습니다. 그들은 나에게 나오라고 요청했고 어느 시점에서 나는 어떤 사람이 쇼에 쓴 이메일을 읽었습니다. 그는 자신이 멍청하다고 말했고 나는 즉흥적으로 말하기 시작했습니다. "나는 글루텐이 없는 여자의 똥꼬만 먹겠습니다." 방송이 끝나고 내 이름이 유행하기 시작해서 확실히 기뻤던 기억이 난다.

블래그: 어느 날 아침 침대에서 평소처럼 트위터를 스크롤하다가 에미상 후보를 발표하는 것을 보았습니다. 우리가 제출될 줄도 몰랐고 카테고리를 스크롤하다가 우리가 Outstanding Interactive Program에 후보로 지명되었다는 것을 알았습니다. "젠장, 우리가 방금 에미상 후보에 올랐나?" 첫 해에는 놀라운 일이었고 턱시도를 입고 해시태그와 성기 농담에 대한 쇼 때문에 멋진 척하는 것이 흥미진진했습니다.

Joyce: 멀티미디어 플랫폼이 가장 포괄적인 새로운 범주의 사람들로 에미상을 수상했습니다. 우리는 Game Of Thrones 와 상호작용 웹사이트 종류가 있는 다른 것들을 이겼습니다 . 우리는 쇼의 팬들과 가장 직접적인 연결이 있습니다. 해시태그는 말 그대로 매일 밤 전 세계적으로 유행합니다.

Blagg: 시간이 지남에 따라 확실히 하드코어 팬이 생겼고 쇼의 시그니처 게임이 되었습니다. 그것은 3년이 지난 지금도 거의 매일 밤 전 세계적으로 유행하고 있습니다. 우리는 이 쇼가 대화형 접근 방식과 방법에서 혁신적이라는 사실에 매우 자랑스럽게 생각합니다. 디지털 시청자와 텔레비전 시청자 사이의 격차를 해소할 수 있었던 방법은 처음부터 매우 중요했습니다. 그것을 포용할 뿐만 아니라 궁극적으로 빛나는 트로피로 영예를 얻는 것을 보는 것은 정말 멋진 일입니다.

Leggero: 인터넷을 기반으로 하는 쇼를 갖는 것은 매우 영리합니다. 온라인 상태에서 시청합니다. 여전히 게임을 하고 참여하는 코미디언 친구들이 많이 있습니다.

Blagg: 오랫동안 "UGC"(사용자 생성 콘텐츠)라는 용어는 "어, 인터넷상의 사람들은 가치 있는 것을 만들거나 말할 능력이 없습니다"와 같이 경멸적으로 사용되었습니다. 우리 쇼가 그것이 틀렸음을 증명하는 것 같아요. 매일 밤 수천 명의 사람들이 최소한 어리석은 해시태그 게임의 맥락에서 미국 최고의 코미디언만큼 재미있을 수 있습니다.

Hardwick: 우리는 소셜 미디어 커뮤니티의 문제와 상호 작용하는 방식에서 가능한 한 많이 혁신하는 것이 항상 우리의 책임이라고 생각합니다. 그리고 나는 가능한 한 최소한의 오만함으로 이것을 말하지만 우리는 우리가 먼저 한 것으로 알고있는 다른 쇼에 많은 것들이 흘러가는 것을 봅니다. 그런 종류의 느낌은 "이봐, 우리가 뭔가를 제대로 하고 있구나"라는 느낌을 갖게 합니다. 우리는 그것에 절대 안주할 수 없습니다. 우리는 끊임없이 앞서가야 합니다. 엔진이 기본적으로 게임 쇼인데 어떻게 이 쇼를 계속 발전시킬 수 있습니까?

Joyce: Periscope 또는 Snapchat과 같은 새로운 것이 나올 때마다 우리는 그것이 실제로 될 것인지 확인하는 것이 옳습니다. 그렇다면 우리는 처음에 거기에 디지털 콘텐츠를 추가한 것입니다.

Hardwick: 우리는 Periscope와 Facebook Live에서 정말 재미있는 일을 했습니다. 여기서 우리는 쇼에서 방송되지 않는 추가 세그먼트를 한낮에 합니다. 재미있습니다. 우리 쇼에 대해 이야기하거나 그 과정을 보면 그 과정을 실제로 경험하게 됩니다. 정말 다양한 유형의 경험을 만드는 것입니다. 그리고 그것은 사람들이 지금 일을 하는 방식입니다.

Blagg: 우리는 온라인에서 일어나는 일과 쇼에서 일어나는 일 사이에서 경험이 유기적이고 매끄럽게 느껴지도록 최선을 다했습니다. 그것이 잘 작동할 때 우리와 코미디언, 청중 사이의 일종의 폐쇄 루프 대화입니다. 다른 많은 쇼가 실제로 그렇게 하지 않았다고 생각합니다. 그리고 그것이 우리가 가장 흥분한 일이라고 생각합니다. 우리는 진정으로 인터랙티브한 심야 쇼를 만들고 시작했습니다.

Joyce: 그것은 거대한 농담 기계입니다. 그것이 전체 목적입니다. 우리 쇼에는 다른 어떤 케이블 쇼보다 분당 더 많은 농담이 있는 것 같아요.

Hardwick: 우리 쇼는 TV 쇼 중 분당 가장 많은 농담을 허용한다고 생각합니다. 그러나 그것은 또한 우리가 가능한 한 깊이 있게 다룰 수 없는 것들이 있다는 것을 의미합니다. 우리는 단지이 있다면 의미에서, 해당 형식에 의해 제한을 조금있어 데일리 쇼 또는 윌 모어, 그들은 더 큰 문제 중 일부를 해결하기 위해 더 활주로 있습니다.

Blagg: 그것이 게임 쇼 형식의 한 가지 문제입니다. 갑자기 튀어나와 무엇이든 할 수 있는 스케치나 버라이어티 쇼만큼 느슨하고 개방적이지 않습니다. 우리는 인터넷에 대한 농담으로 서로 경쟁하는 코미디언인 우리 쇼의 전제와 다소 유사하게 관객에게 빚지고 있습니다. 하지만 그 안에서 우리는 항상 추진하고 혁신할 수 있는 더 많은 방법을 찾고 있다고 생각합니다.

Hardwick: 우리는 지금 하나의 이야기나 하나의 아이디어를 기반으로 하는 전체 행위를 실험하고 있으며 가능한 한 많은 다른 도전에서 그것을 공격하여 사물에 더 깊이 들어갈 수 있도록 하고 있습니다. 우리는 게임이나 코미디언이 우리 쇼와 상호 작용하는 방식을 혁신하기 위해 끊임없이 노력하고 있습니다. 나는 그것이 끝이 없다고 생각합니다.

"당신은 그들의 관계를 정말로 믿습니다. 왜냐하면 그것이 현실이기 때문입니다."

획득한 디지털 콘텐츠는 2005년 MotherLoad 출시 이후 관심 분야로 남아 있었습니다. Workaholics 의 온라인 발견에 이어 Comedy Central의 두 가지 가장 큰 웹 인수는 TV를 빠르게 연속적으로 도약시켰습니다. 거의 10년 동안 첫 번째 사례는 역사가 승자에 의해 쓰여지 지만 , 만취한 코미디언도 역사를 다시 쓸 수 있다는 것을 증명했습니다 .

Super Deluxe 수의사 Derek Waters와 감독 Jeremy Konner가 Waters의 월간 UCB 비디오 쇼에서 Michael Cera가 Alexander Hamilton으로 출연한 듀얼 재연을 선보인 후 단편은 일주일 만에 YouTube 조회수 100만 회를 돌파했습니다. 초기의 퍼니 오어 다이(Funny Or Die) 비디오 투표 사이트는 처음부터 에피소드를 두드러지게 선보였으며 결국 HBO의 퍼니 오어 다이 프레젠트(Funny Or Die Presents) 에서 시리즈를 선보였습니다 .

2010년 선댄스 영화제는 윌 페렐이 에이브러햄 링컨으로, 주이 디샤넬이 메리 토드 링컨으로, 돈 치들이 프레드릭 더글라스로 출연한 에피소드로 미국 심사위원상을 수상했습니다. Konner는 이렇게 회상합니다. “우리는 Gary Sanchez Productions에서 회의를 열고 '얘들아, 이걸로 TV 쇼를 만들면 어떨까?'라고 말했습니다. 비록 우리가 그것이 무엇이 될 것인지 완전히 알지 못하더라도. 하지만 우리는 뭔가를 하고 싶었습니다.”

Drunk History 는 2013년 Comedy Central에 입성한 이래로 5개의 Emmy 후보에 올랐으며, Outstanding Costumes For A Variety Program 또는 Special 부문에서 1개 부문을 수상했습니다. Konner는 "저희는 고예산 TV 쇼와 영화 작업에 익숙한 최고의 의상 디자이너와 제작진을 보유하고 있습니다."라고 말합니다. “우리는 그들에게 '아니요, 우리는 그가 컨버스를 입기를 원합니다. 우리는 컨버스를 보고 싶습니다. 우리는 가발이 촌스러워 보이기를 원합니다. 우리는 콧수염이 떨어지는 것을 좋아합니다.'”

초기 에피소드는 다른 도시를 강조했습니다. 시즌 4에서는 Drunk History 의 이야기와 재연이 매주 주제를 중심으로 구성됩니다. 첫 번째 에피소드로 완전히 돌아가면서 네 번째 시즌에는 2016년 가장 저명한 Alexander Hamilton 챔피언이 등장합니다 . "내 인생에서 가장 멋진 경험 중 하나는 Lin-Manuel Miranda를 취하게 하고 그의 집에서 그와 저녁을 보낼 기회를 가졌던 것입니다."라고 Konner는 말합니다. 그는 완전히 낭비되었고 그가 아는 ​​모든 사람들을 FaceTime으로 돌려 우리에게 음악을 연주하고 노래를 불러주었고 우리는 해밀턴에 대해 이야기했습니다.” 인수한 웹 시리즈는 점점 더 큰 규모로 불의를 수정하고 잊혀진 영웅을 강조하면서 외부로 계속 확장되었습니다.

Comedy Central의 다음 대규모 온라인 인수는 UCB에서 유사하게 생성된 대본 TV 시리즈를 통해 자기 발견과 불편함을 새로운 차원으로 끌어올리면서 역으로 개인화될 것입니다. 술취한 역사(Drunk History) 의 연대기(Annals of Drunk History) 에서 성별, 섹슈얼리티 또는 인종의 잘못된 편에서 태어난 자신을 발견하는 것은 해로울 수 있습니다. 대한 폭 넓은 도시 , 모든 변화는 그에만 환영하지만, 축하되지 않았다.

Eliot Glazer( Broad City의 작가 겸 배우 ): Ilana와 저는 아마도 '07년 또는 '08년에 UCB에서 함께 수업을 듣기 시작했습니다. 그곳에서 우리는 Abbi를 만났고 다른 사람들과 즉흥 그룹을 시작했습니다. 우리는 모두 그곳에서 함께 코미디 경력을 시작했습니다. Abbi와 Ilana는 브로드 시티 가 된 웹 시리즈를 만들기 위해 분기했습니다 .

Ilana Glazer (co-creator and co-star, Broad City): We were pouring our energy and resources into improv, and it came to a point where we wanted to do something more permanent and be able to send our parents a link to prove we were actually doing something. We started making videos, and after a dozen of them, we had a season of a webseries.

Sam Saifer (former exec producer, Broad City): I was a super-young manager. I went to New York, saw Ilana do two minutes of stand-up in Brooklyn, and I thought she was so engaging and interesting. I told her, “I want to work with you! I don’t know what you’re going to do yet because you’re two years into stand-up, but you’re so vulnerable and amazing and interesting that… let’s do it?” She was like, “Great, I have this webseries I’m working on with my partner. I’d love to send it to you.” I think they were maybe 15 episodes in. I watched it and said, “Let’s make this a TV show.” They said, “We haven’t thought of that!” I said, “Bless your little hearts. Just keep making the webseries, and I’ll figure out the rest.”

Abbi Jacobson (co-creator and co-star, Broad City): We did the webseries for about two years, and it was gaining momentum when we decided to write a pilot in the summer of 2011. Before writing the pilot, we had to finish the second season of the webseries. We wanted to finish with a big guest star.

Saifer: They were trying to get a big guest who was super-cool, super-New York. In our minds, we were thinking, “This is the last episode of the webseries. We’re ready for the next level.” So we really wanted to go out with a bang. We tried to get Christopher Meloni. I reached out to Woody Allen’s PR person, who actually got back to me. She said, “Woody’s in Cannes, but thank you for thinking of him.”

Jacobson: We went out to Amy Poehler from a mutual connection at UCB, and she said yes, which was nuts. She shot the finale in May 2011. She was so great that we pitched her on being an executive producer on the show, and she said yes!

Saifer: She was so cool on set. Abbi and I were like, “We should try to get her as an EP.” We have the script, we’re going to pitch this, all she has to do is show up. The three of us crafted an email: “We know you’re super busy. Here’s the final thing, we’re going to take it out, we’d be so honored if you’d come with us.” She said, “I was going to ask you guys, but I didn’t want to step on your toes!” That was around May of 2011. In August I scheduled a bunch of pitch meetings for them in L.A. And I didn’t know how to do any of that shit. I was totally making it up.

Jacobson: We sold it to FX, who developed the script with us for about eight months before passing. We went back out with the script, and Comedy Central bought it and we went to pilot.

Alterman: Whether it comes from a webseries or people performing in stand-up clubs or sketch performers performing in theaters, we look for people that have a really strong, distinct point of view, a voice, and something to say. People that can make that leap from a webseries of shorts to scripted half-hour shows, like in the case of Broad City, we were really taken with who they were as talent. They’re smart, they’re funny, they have a really original voice.

Ilana Glazer: When we first started at Comedy Central, [then-executive producer] Brooke Posch had just gotten to the network, and she was a perfect fit for us creatively. Communicating all the ideas floating around was genuinely enjoyable.

Saifer: To Comedy Central’s credit, they said, “Do Broad City. Don’t do anything else. Pretend like no one’s watching. Just make a great script and a great pilot. We believe in you.”

Ilana Glazer: The biggest change is the scale. Before it was the two of us with a rotating, ragtag crew of people from the comedy community, just getting practice being on a shoot. When it came to the TV show, so many more people were involved, from all different departments.

Saifer: You don’t want the thing to change too much just because you’re doing it on a bigger scale. You want to protect what makes it authentic and interesting. There’s something great about digital products when people do things not necessarily for attention, but just to do things. So the fact that there’s no viewer in mind makes them more authentic and inherently vulnerable. I think the biggest challenge in going from digital to TV is now you’re so much more self-conscious. How do you keep what was so beautiful and authentic and interesting about this alive now that there are so many more voices and people with money riding on it?

Eliot Glazer: It was hard to jump from the web to TV even at the point that the girls did, just because it was new, uncharted territory. I guess the real challenge was being able to validate the idea that being able to turn out web content as fastidiously as they did would equate to them being able to do the same thing with a full TV show. But with their tenacity and ambition and the fairy-godmother essence of Amy Poehler, they were able to very quickly prove they were super capable of being up to the task.

Alterman: You really believe their relationship, because it is real. They play heightened versions of themselves, but that show just exudes authenticity. It makes the comedy even richer and more rewarding. Not only have they failed to disappoint us, they just keep exceeding expectations and hopes.

Eliot Glazer: I think it gives people access to a world in which anything is possible. Not in a cheesy, fantasy-type way, but with a very boots-on-the-ground, almost hyper-realistic, contemporary vibe that’s really direct for the post-label generation. Besides the show just being inherently funny and providing a language that you really don’t see on other TV shows, it also sort of provides comfort to people who have felt disregarded by the main narrative in comedy. There’s comedy nerds, and that’s the sort of world that Ilana and I have always inhabited. But I think Broad City steps it up a notch and takes the secrecy or almost elitist nature of which people identify with comedy and makes it available to everybody: age, gender, race, sexuality be damned. It’s like a smorgasbord, basically, of post-millennial comedy.

Saifer: Fred Armisen is probably my favorite guest star, even though it was the pilot. Him in his diapers and that sweater is still one of the fucking funniest things I’ve ever seen. We couldn’t control ourselves. We were fucking up every take because he was so awesome.

Jacobson: Blake Griffin was amazing. Amy Sedaris is incredible.

Ilana Glazer: Amy Sedaris whispers funny shit to the crew all day.

Jacobson: Susie Essman is definitely one of our favorite guest stars. She embodies so much of the show, she feels like more than a guest star.

Saifer: What perfect casting for Ilana’s mother. I feel like Seth Rogan got on board pretty early on and just did it for the fuck of it. Hillary Clinton is a pretty cool one.

Ilana Glazer: It was fun to watch Amy Poehler work both behind and in front of the camera on her episode. Hillary Clinton was an insane honor—I still cannot believe our next president was on Broad City. It hit me when it was finally on TV. I had seen it so many times in editing, but to see Hillary on the show on the air was mind-blowing.

Eliot Glazer: I actually remember a few years ago right before Broad City aired, being in the elevator banks at the office in Hudson Square. The elevator bank was canvassed with pictures of all the personalities on the network: Jon Stewart, the Workaholics, South Park. I was looking at it, thinking, “This show is about to hit, and whether or not it’s a success, it will be really cool to see two women on the wall, to see their pictures next to the elevators.” I think it’s done a pretty seamless job of doing that without their genders being an issue whatsoever. Not just because the content stands on its own, but also because Ilana and Abbi are pretty tenacious about not letting gender color the conversation more than it needs to. They’ve sort of broken up the Old Boys’ Club and given the network new life with the ability to comment on contemporary thoughts about gender and sexuality—but without making a big deal of it. Abbi and Ilana, Amy Schumer, Larry Wilmore, even Jessica Williams and Hasan Minhaj: These are all people who embody 2016. Not because of the fact that they’re a man or a woman or a person of color, but because that is just what the world is.

“The goal was not to find the next Jon Stewart, because that could bring nothing but failure.”

From the back of a Sunset Strip comic-book shop to a third season recently shot for Comedy Central, Jonah Ray and Kumail Nanjiani’s long-running stand-up show remains a property highlighting diverse talent while supplying content for an ever-growing number of platforms. Since its July 2014 debut, The Meltdown With Jonah And Kumail has encouraged established and developing voices to coincide in an environment deliberately freed of traditional Hollywood machinery.

The Meltdown probably wasn’t on Jon Stewart’s mind when his Busboy Productions set about creating a Daily Show offshoot that similarly broadened the number and types of voices populating the late-night landscape. Yet until its August 15 cancellation announcement, The Nightly Show With Larry Wilmore’s roundtable format and eye for socially engaged up-and-comers expanded the notion of talk-show convo as a vehicle for inclusion.

Knowing his time at the network was coming to a close, in 2015 Stewart still had one final objective before bookending his Comedy Central legacy: introducing a Stateside unknown to steer The Daily Show through the increasingly rough political waters ahead.

Trevor Noah: We didn’t have Comedy Central in Africa until recently. It only launched a few years ago. Before that we would see shows here and there from Comedy Central. The Daily Show came through, but it came through on CNN and was called The Global Edition, which was a different version of the show. South Park was always huge for me, and that wasn’t on Comedy Central at all. Chappelle’s Show was big, and we didn’t have that on Comedy Central. We had all the Comedy Central shows, but just not Comedy Central the channel.

Alterman: Trevor came onto our radar at Comedy Central a couple years before he became a contributor. Jonas and I met and had discussions about starting to do stuff with him. I think we made an offer to do a stand-up special, and we were really intrigued by the idea that someone who was from another country was really starting to tour a lot in our country. When you meet Trevor you realize how smart and perceptive and funny he is, so we had some conversations about him starting to do stuff on our digital platforms that would be, like, filing reports from his travels through the States. Ultimately that didn’t pan out; he was already so successful I think the digital-platform opportunity probably wasn’t that meaningful to him. We spoke to The Daily Show about Trevor, and at some point he became on Jon’s radar and Jon brought him in.

Larry Wilmore: Before I was Senior Black Correspondent on The Daily Show, I worked a lot in sitcoms as a writer and producer. In Living Color was one of the earliest ones; The Fresh Prince Of Bel-Air. The first show I co-created on television was The PJs on Fox. Doug Herzog was the head of Fox at the time, so I got to meet and work with Doug back in the day, and got to know him pretty well. And then I created The Bernie Mac Show, and also worked on The Office, where I worked with Steve Carell, who was part of The Daily Show. So a lot of incestuous behavior going on over the years in my career.

Noah: I was in England doing a show, and I got a call from my people. They said, “Hey, Jon Stewart would like to get on the phone with you.” I said, “Okay?” It was so random. Jon got on the phone and said, “Hey, I’m Jon Stewart.” “Oh, I know who you are.” He said, “I’ve wanted to chat to you. I saw some of your stuff online, and I’d love to know if you want to come hang out at the show sometime. I really like what you’re doing. I like your ideas.” At the time I couldn’t come, so I was like, “Well unfortunately I have to say no? But thank you for calling?” Which is a weird thing to have to say to somebody. But Jon was like, “Hey, if you are ever in town, just pop in, see what we do, come hang out, and we can go from there.”

Wilmore: I was looking to get back into performing, which is how I started my career. I reached out to The Daily Show because they were going through a transition at the time. Stephen had just started his show, and they were adding some more correspondents. I think John Oliver had just started. I met with Jon, and we hit it off.

Larsen: He was obviously an accomplished writer and showrunner, and was someone Jon had a lot of respect for, and felt that he was someone that could inhabit that seat.

Wilmore: Before I got there I’d done almost every kind of TV you can think of, from multi-camera sitcom to single-camera sitcom to animation with The PJs. I had done late-night before, sketch shows. But I had never done what Jon does, which is write in editorial every night, which is a different type of late-night show. The satire of the news is one of my favorite things, so just seeing Jon do what he does—and especially now with Jon being gone—just the opportunity that all of us had to learn from Jon and to observe him, what a treat and a privilege that was.

Noah: A few years later I popped in at the show, and we had such a great time we decided to do a piece. And then we had a good time with that, so we decided to do another piece and another piece, and we’ve been doing pieces ever since. The only difference is, Jon left.

Alterman: Trevor wasn’t seeing becoming a correspondent, but Jon encouraged him to start just being a contributor. I want to say he did three pieces. So he really hadn’t even done that much before Jon decided to leave, and Trevor became part of that conversation.

Wilmore: Jon had mentioned to me that he had an idea for a show where it would be good to hear from voices we don’t get to hear from all the time, in a panel-like format—and have it not be like a CNN panel, where it’s just the same pundits. He said, “Hey man, do you want to do something like that?” And I’m like, “Yuuuuhh, sure!” He saw it as a different type of show that was more about talk and conversation, that was still in the language of The Daily Show.

Alterman: The Nightly Show is more of a panel show. I would say ultimately the vibe of them is different in the same way the vibe of every single show is different. It’s always a reflection of the personalities of the people that are leading it and contributing to it.

Wilmore: We like to feature people who are unknown or up-and-coming. Some people are young comedians in the Comedy Central family, we have rappers, or some people may be in blogs, or just interesting people. We like to mix it up. And then occasionally we’ll have some more well-known people, but our show wasn’t designed to have an actor on promoting his movie. It wasn’t built like that, and people seem to like it. A lot of famous people like to come on and not have to talk about that stuff. Instead they can weigh in on what’s going on in the world.

Lewis Black: It’s always fun when you’re going on a show and you feel like you’re not working: It’s a conversation. It’s also a good crew that’s he’s developing.

Feinstein: Larry’s really funny, but he’s also a lovely guy and good person. It’s really great that these shows hire stand-ups as writers, and use them on the show too. Rory Albanese, who is a really funny comic, produces the show and is on quite a bit.

Ganeless: While Larry had a ton of fantastic work in his portfolio, producing a nightly show is a whole different ballgame. Larry brings a unique point of view. Not only is Rory really smart and funny, but he brings a great foundation of the mechanics of a nightly show.

Everett: Sitting and talking politics on a panel is not my strength, but they make it fun and easy and light. They’re a great crew. I was on with Rory, Larry, and Bill Nye The Science Guy. I’m a big fan of his, and I honestly don’t remember what we talked about. I just kept looking at him, going, “That’s Bill Nye The Science Guy!” In show business you meet a lot of cool people, but every once in a while you’re like, “This is bizarre!”

Leggero: I got to do it with Run The JewelsKiller Mike, which was cool. They really put you on the spot, so it can be a little more nerve-wracking. I always get nervous with impromptu political questions, because I’m always afraid I’m not going to be read-up enough on something. It makes me a little more nervous than doing @midnight, which is more silly.

Feinstein: It’s always a blast doing it. I did it with 50 Cent and Judd Apatow. 50 Cent was, like, whispering weird things into my neck the whole time in a slow-jam voice.

Metzger: I have my little Larry Wilmore University plaque that I hung next to my Peabody and my Roast trophy award. The episode was about higher education, so we all got little diplomas. That’s one of the few things I’ve ever worn a suit to.

Gottfried: It reminded me of the way I used to do The Tonight Show With Jay Leno, where they’ll come up with these weird bits at the beginning of the show. The first one I did was when somebody during the presidential roast made a dick joke, saying something like, “Donald Trump’s hands are small, and you know what that means.” So the whole premise of that bit on Wilmore’s show was that dick jokes should be left in the hands of comedians. The slogan was “Dick Jokes Matter.” We were up there with protest signs, protesting that Dick Jokes Matter, and each one of us made a speech about it.

Wilmore: We kind of react to what’s going on. I mean, we never saw Trump making it this far in the election, and what would happen to that. So we’re just going to keep reacting to what’s out there and keep evolving as we go along. We did a lot of experimenting up front, but there will be variations to come, I’m sure. It’s kind of hard to predict that, though, until you get there. Ninety percent of the time you’re just trying to stay on the air.

Alterman: When John Oliver left, Jon Stewart and Stephen Colbert were still there and had not declared their intention to leave, so it didn’t leave a lot of room for John Oliver. So he made his deal with HBO. And then it was sometime after that that Stephen decided to leave and not renew. So we worked with Jon on formulating The Nightly Show. Then after that Jon decided to leave, and then it just became a matter of not so much replacing Jon as it was “Okay, what’s the next iteration of The Daily Show going to be, and who will be the right person for it?”

Ganeless: Nobody knows what it takes to host The Daily Show better than Jon, and he had identified Trevor as a great talent and brought him to the show as a contributor.

Alterman: Once we knew Jon was going to leave, our orientation was not “How do we replace Jon Stewart?” because Jon Stewart is irreplaceable. We also thought it would be a fool’s errand to just find a carbon copy of him, a younger version of Jon Stewart. We really started thinking about “Well, where is the show now, and where should it go?” Jon was the first to suggest Trevor to us, and we started meeting with Trevor.

Ganeless: The goal was not to find the next Jon Stewart, because that could bring nothing but failure. The idea was to find a new voice for a new generation. That was qualification number one. Number two, they had to have an incredibly strong work ethic. To work on this show is not for the faint of heart. They have to have an interest in a wide range of events: not just the political, and not just pop culture.

Noah: It’s a show combining comedy and satire with a large amount of journalism and investigating and fact-checking and so on. It is definitely not easy to do it every single day.

Ganeless: 이 모든 특성을 합치면 매우 빠르게 짧은 목록이 되었습니다. Trevor는 내 목록의 맨 위에 있었고 Doug와 Kent의 목록에 있었고 Jon의 목록 맨 위에 있었습니다. Trevor와 처음으로 함께 앉았을 때부터 지식의 깊이와 성숙함, 신선한 관점을 깨달았을 때부터 그가 이 순간에 쇼를 보기에 적합한 사람이라는 것이 매우 분명해졌습니다.

Herzog: Trevor는 필요한 기술을 제공한다고 생각한 사람으로 선택되었습니다. Daily Show는 보기 보다 훨씬 더 어렵고, 화제의 유머와 정치적인 유머를 중간 수준의 유머와 결합할 수 있는 출연자는 거의 없습니다. 우리가 더 큰 이름을 가진 사람들이야기를 나눴다는 것이 꽤 잘 문서화되어 있다고 생각 합니다. 그리고 궁극적으로 당신이 야구 팬이라면 청소년 운동에 참여하고 우리가 성장하고 발전시킬 수 있는 사람을 고용하기로 결정했습니다.

노아: 받아들이는 건 말도 안 되는 일입니다. 그것은 불가능한 직업이고, 채워지지 않는 신발입니다. 그래서 내 머리 속으로 "당신은 그것을 가져 가야합니다. 인생은 편안함의 끝에서 시작되기 때문입니다. 그것이 무서운 일이고 내가 할 수 있는지 100% 확신할 수 없는 일이라면 내가 해야 할 일입니다.” 그리고 그게 전부였습니다. 나는 후회하며 사는 것을 좋아하지 않기 때문에 항상 무슨 일이 일어났을지 궁금하기보다는 차라리 무언가를 하고 그것을 할 수 없다는 것을 발견하고 싶습니다.

Herzog: 그는 채워야 할 아주, 아주, 아주 큰 신발을 가지고 있었습니다. 그 점을 간과해서는 안됩니다. 존 스튜어트의 발자취를 따르고 싶은 사람도 많지 않고, 사실 고려조차 할 수 없는 사람도 많지 않습니다. Jon Stewart가 16년 동안 Daily Show를 마치고 집으로 돌아온 이유 가 있습니다. 매우, 매우, 매우 힘든 일입니다.

Noah: Jon이 말했습니다. 당신이 할 수 있다고 생각합니다. 당신은 내가 처음 쇼를 시작할 때 있었던 곳입니다. 그리고 당신이 시작할 때 그것이 미친 것처럼 보인다는 것을 압니다. 하지만 당신은 그것을 할 것입니다.”

Alterman: 그는 Trevor에게 맨틀을 넘겼고 Trevor가 자신의 시대에 했던 것처럼 자신의 이미지로 쇼를 발전시키기 시작하는 것을 매우 존중합니다.

Powell: 사람들은 Jon Stewart와 함께하는 Daily Show 가 오늘날 우리가 알고 있는 것으로 전환되는 데 몇 년이 걸렸다는 것을 잊 습니다. 초기 특파원 기사를 포함하여 Craig Kilborn 시대에서 남겨진 직원, 부문 및 특파원과 같은 많은 요소가 제자리에 있었습니다. 초기 특파원 기사는 "광인을 찾아 진지한 뉴스 기사처럼 취급"했습니다. 그리고 Jon이 Craig가 하던 일 에서 우리 모두가 알고 감사하는 Daily Show 로 완전히 전환하는 데 몇 시즌이 걸렸습니다 .

Alterman: Jon Stewart는 정치뿐만 아니라 일반적으로 케이블 뉴스 네트워크, 특히 Fox News의 렌즈를 통해 정치에 대한 미디어 보도에 매우 집중했습니다. 사람들이 반드시 뉴스를 그런 식으로 받아들이는 것은 아니기 때문에 세상이 변하고 있습니다. 멀티플랫폼, 소셜 미디어 세계에서 뉴스와 정보가 전파되는 곳입니다. 존은 그 세계에 그다지 관심이 없었다. Trevor는 그 자신이 밀레니엄 세대이며 멀티플랫폼과 소셜 미디어에 익숙하며 이미 그 분야에 종사하고 있습니다.

헤르 조그는 : 데일리 쇼 - 90 년대에 태어나 매우 선형 세계-되어 지속적으로 다양한 플랫폼에서 팬들과의 관계를 발전. Trevor는 매우 진보적이며 Trevor는 밀레니엄 세대이며 Trevor는 소셜 미디어에 매우 관심이 많습니다. 그리고 저는 이것이 그가 앞으로 나아가는 Daily Show에 많은 방향성을 제공할 것이라고 생각합니다 .

Alterman: 특히 컨벤션이 열리기 전 마지막 몇 주 동안 Trevor는 쇼의 소유권을 실제로 장악했으며 그가 있기 전에는 Daily Show 에서 볼 수 없었던 많은 일을 하고 있습니다. . 우리는 많은 콘텐츠가 입소문을 타고 널리 퍼지고 공유되는 것을 보고 있으며, 우리가 항상 기대했던 열매를 실제로 맺기 시작하고 있다고 느낍니다.

Noah: 가장 큰 도전은 쇼의 느린 진화가 있어야 한다는 것을 이해하고 사람들 이 Daily Show 가 무엇인지에 대한 아이디어를 가지고 있다는 것을 이해하는 것입니다 . 모든 것을 완전히 바꾸는 것은 시스템에 충격을 주기 때문에 이러한 매개변수 내에서 작업하고 있습니다. 그러나 당신은 또한 당신 의 쇼 버전 을 시도하고 만들어야 합니다 . 그래서 가장 큰 도전은 진보와 동시에 안정기 사이의 균형을 찾는 것입니다.

블랙: 그는 괜찮아. 시간이 걸릴 뿐입니다. 존의 시간이 걸렸다. 전환입니다.

Noah: Jon은 자신의 쇼가 되기까지 2~3년이 걸렸다고 말했습니다. 그러면 공이 굴러가고 계속 움직이게 됩니다. 이제 이 시대에는 시간이 많지 않을 수 있으므로 가속화된 달력 작업을 하고 있습니다. 그러나 당신은 여전히 ​​같은 것을 목표로 하고 있습니다. 바로 그 쇼를 당신의 장소로 데려가는 것입니다. TV의 모든 새로운 호스트인 Stephen Colbert, Fallon 및 Corden을 보면 알 수 있습니다. 새 신발 한 켤레가 있는 길들이기 기간이 있습니다. 그러나 어느 정도 지나면 편안하고 친숙해지기를 원합니다.

Keegan-Michael Key ( Key & Peele ): Jon과 함께라면, 그 순간에 나는 농담을 해야 한다고 느꼈을 것입니다. 왜냐하면 그는 재치가 있기 때문입니다. 하지만 둘 다 눈치가 빠르다. Trevor에게는 대화처럼 느껴지는 무언가가 있습니다. 그리고 Jon과 함께, 나는 내가 아기처럼 요람되고 있는 것처럼 느꼈습니다. 기분이 좋았어, 무슨 말인지 알아? 내 생각에는 당신이 당신의 경력 전반에 걸쳐 수행하는 것을 지켜봐온 다른 사람을 바라보고 있다는 것이 그 일부라고 생각합니다. 그리고 최근에 내가 하고 있는 것은 동시에 나와 함께 오는 사람을 지켜보는 것이었습니다. 외모가 비슷한 사람. 비슷한 관점의 사람입니다.

Alterman: 우리가 발견한 것은 인구의 더 오래되고 더 넓은 부분이 Jon을 그리워한다는 것입니다. 우리 모두는 그를 그리워합니다. 그러나 젊은이들(그리고 우리가 정말로 탐내는 청중들)은 Trevor와 정말로 연결되어 있습니다. 그는 시청률이 많이 상승했고 쇼의 중위 연령은 낮아졌습니다. 그러나 가장 중요한 것은 Trevor가 쇼에서 어떻게 하고 있는지이며, 그것이 우리가 정말 기쁘게 생각하는 부분입니다. 우리는 그가 더 편안해지고 그의 목소리와 쇼에 대한 그의 비전을 표현하는 새로운 방법을 찾는 한 올바른 방향을 목표로 하고 있다고 느낍니다. 그가 더 오래 갈수록 우리는 그것이 계속 발전하고 성장할 것이라는 것을 알고 있습니다. 그는 계속해서 자신의 이미지로 쇼를 승화시켜 자신의 쇼가 될 것입니다.

Noah: 진정으로 독특하고 완전히 세상에 있는 것을 생각해낼 수 있다는 것은 항상 추가 보너스지만, 매일 퍼즐 조각이 서로 맞고 사람들에게 이해가 되는 방송을 방송할 수 있다는 것은 정말 좋은 일입니다. 나를 위한 승리.

Key: Trevor의 또 다른 좋은 점은 그가 하는 일에 대해 확실히 국제적인 느낌이 있다는 것입니다. 다른 나라에서 온 사람입니다. 그래서 그가 일종의 미국-도시 사투리로 말하는 것을 듣는 것은 재미있습니다. 그리고 저는 이 나라에 대한 그의 견해를 듣는 것을 좋아합니다. 이것은 타당하고 매우 통찰력이 있지만 또한 통찰력이 있고 완전히 유효한 Jon의 견해와는 완전히 다릅니다. Trevor는 거의 외부와 내부에서 동시에 그것을 보는 놀라운 감각이 있습니다.

Noah: 모든 것이 있습니다. 호스트는 남아프리카 공화국 혼혈입니다. 당신은 말레이시아 중국 - 호주 사람 . 당신이 무슬림 인 미국 - 인도 사람 . 당신은 켄터키에서 금발 백인 여자를 . 당신은 버밍엄, 알라바마에서 흑인 남자 . 당신은 미시간에서 온 백인이 ​​있습니다 . 확실히 매우, 매우 다양한 사람들이 섞여 있습니다.

Wilmore: 그들은 그것을 현실로 유지하려고 노력하고 있습니다. 좋은 일입니다. 나는 그들에게 박수를 보냅니다. 그것은 텔레비전의 지속적인 다양화의 일부이며, 저는 그 일부가 되어 기쁩니다. 나는 그들에게 많은 공로를 인정합니다. 그들은 11시부터 12시까지 흑백으로 변합니다. 잘했습니다. Comedy Central.

2016년 8월 15일 월요일 코미디 센트럴은 " 래리 윌모어와 함께하는 나이틀리 쇼의 제작 이 8월 18일 에피소드 이후 중단됩니다. 우리는 Larry와 Nightly Show 직원들이 지난 2년 동안 지칠 줄 모르는 노력과 국가에 매우 중요한 사회적 문제를 해결하고 항상 사람들의 태도, 인식 및 편견에 도전함으로써 생성된 대화에 대해 감사 합니다.”

“저는 제 이야기를 하고 거기에 앉아서 정말 즐깁니다. 항상 내가 가장 좋아하는 쇼였습니다.”

“무대에 서서 이야기만 하는 리처드 프라이어가 왜 그렇게 설득력 있고 감동적이어야 하고 그런 소동을 일으켜야 합니까? 마이크를 가진 한 사람이 그런 소동을 일으키면 안 됩니다. 나는 우리가 모두 괴물인 세상에 살고 있다고 생각하지만 우리는 우리가 괴물이 아닌 척하려고 노력하고 있습니다. 그래서 누군가가 무대에 올라 "그래, 난 괴물이야!"라고 말할 때 "고마워요! 변태가 되지 않으려고 많이 노력했어요.” 나는 덜 외롭다는 느낌에 대해 정말 놀랍고 영적인 무언가가 있다고 생각합니다. 그리고 저는 그 스탠드업 코미디가 실제로 그렇게 한다고 생각합니다. 농담은 훌륭하지만 우리 모두의 위대한 연결은 스토리텔링의 취약성과 잔인한 정직에 있습니다. Louis CK가 자식을 죽이고 싶어하는 자신을 비웃을 수 있다면, 그것은 산후 우울증을 앓고 있고 지옥 같은 죄책감을 느끼는 어떤 여성에게는 괜찮다는 것을 의미합니다.사물의 소중함과 소중함을 빼면 상황이 더 괜찮아지는 것 같아요. 청중은 당신의 이야기를 보고 덜 외로울 수 있습니다.” – 샘 사이퍼,이 해프닝되지 않음 간부 프로듀서

Saifer: 저는 Ari Shaffir를 대표했고 남편 Eric Abrams는 즉흥 연주를 예약했습니다. 그는 즉흥연습실을 가지고 있었는데 지금의 바가 아니었습니다. 빈 블랙박스[극장]일 뿐이었다. 에릭과 아리는 어느 날 밤 마약 이야기를 교환하며 앉아 있었다. Ari는 "오, 사람은 훌륭한 이야기를 가지고 있습니다! 사람은 훌륭한 이야기를 가지고 있습니다!” 에릭은 “이 빈 공간이 있어요. 이 이야기들의 쇼를 예약하지 않으시겠습니까?”

Ari Shaffir (진행자, This Is Not Happening ) : 우리는 하룻밤 동안 버섯 이야기에 대한 쇼를 했습니다. 40명이 들어갈 수 있는 옆방이 있어서 채우는 게 그렇게 힘들 줄은 몰랐어요. 우리는 그것을 채우지 않았습니다. 우리는 12명을 얻었습니다. 첫 번째 라인업은 Dan Madonia, Dylan Brody, Steve Agee, Joey Diaze 및 Marc Maron이었습니다.

Eric Abrams(책임 프로듀서, This Is Not Happening ): 우리는 2010년 2월에 Improv Lab에서 쇼를 시작했으며 15명을 대상으로 본 최고의 라이브 코미디 쇼 중 하나를 선보였습니다. 정말 마법 같은 느낌이었습니다. 나는 그것을 즉시 사랑했다.

Shaffir: 정말 재미있었고 저와 Eric은 다시 하는 것에 대해 이야기했습니다. 우리는 다음 섹스 이야기를 했고, 페요테와 산에 대한 이야기로 사이키델릭한 이야기를 했습니다.

Abrams: 우리는 월간 쇼를 시작했고 2010년 12월까지 Improv의 메인 룸으로 옮겼습니다.

Saifer: 우리는 약 6년 전에 한 달에 한 번 라이브 쇼를 시작했고 계속 다른 주제를 그룹화했습니다. 그런 다음 3년 전에 Comedy Central을 통해 디지털 방식으로 작업을 시작했습니다.

Abrams: 우리는 Comedy Central이 우리를 알아차리게 하려고 노력했지만 그들은 [Shaffir]가 그를 중심으로 쇼를 만들기에 충분한 이름이라고 생각하지 않았습니다. 나는 CC Studios 이전에 CC의 디지털 플랫폼이었지만 이름뿐인 Atom.com과 이야기를 나눴고 그들은 쇼를 좋아했지만 결코 움직이지 않았습니다.

Shaffir: 다른 몇몇 장소에서는 아니오 또는 예라고 대답했지만 다른 호스트인 Ralphie May, Sarah Silverman과 함께했습니다. 우리는 "아니요, 그냥 기다리겠습니다"라고 말했습니다. 우리는 한 달에 한 번 계속했고 Bridgetown과 [Just For Laughs] 몬트리올과 같은 축제에도 가져갔습니다.

Abrams: 2012년 몬트리올은 Comedy Central이 우리에게 정말로 관심을 보였던 곳입니다. CC Studios는 당시 완전히 새로운 것이었습니다. CC의 오리지널 디지털 플랫폼인 Atom.com에서 한발 더 나아가기 위해 만들어졌습니다. Atom은 내가 이해하는 한 네트워크 개발 팀과 실제로 통신하지 않는 완전히 별개의 독립체였습니다. 나는 그 때 거기에 없었다. CC 스튜디오이었다 일부 네트워크 개발 팀. 그들은 Allison Kingsley를 고용하여 운영하도록 한 다음 저를 데려왔습니다. Jordy Ellner와 함께 우리는 CC Studios 개발 팀이었습니다.

Ganeless: 온라인 콘텐츠와 비선형 콘텐츠로 브랜드를 돌파하는 방법을 실험했습니다. 어렵다. 사람들은 우리를 선형 브랜드로 생각합니다. 그래서 우리는 “이것이 온라인에서 우리 브랜드입니다. 코미디 센트럴이 아닙니다. 당신이 원한다면 그것은 플랭커 브랜드입니다.” 그리고 우리는 그것을 개발 실험실로 사용할 수 있습니다.

Abrams: 우리의 전반적인 목표는 CC Studios가 Comedy Central과 함께 개발할 수 있는 다른 길이 되는 것이었습니다. 그래서 우리는 네트워크에 적합한 인재와 함께 일할 것입니다. 어떤 이유로 든 네트워크 거래를 위해. Ari는 잘 알려진 사람이 아니었고 그가 네트워크의 스타가 될 수 있는지 여부에 대해 의문을 제기 할 이유가있었습니다. 그러나 쇼는 좋았다.

Larsen: 나는 그 이야기에 그저 놀랐습니다. 정말 인상 깊었던 것은 실제 이야기를 들려주는 만화였습니다 . 당신은 만화가 다소 실제적인 이야기를 말하는 것을 볼 수 있지만, 그들은 핵심이나 그들이 구축하고 있는 무언가를 가지고 있습니다. 재미있고 매력적인 방식으로 실제 이야기를 들려주지만 항상 재미있는 것은 아닙니다. 나는 그것의 취약성을 좋아했다. 그리고 우리는 항상 스탠드업을 선보일 새로운 방법을 찾고 있습니다. 만화와 스탠드업, 작가가 자신의 작품을 보여주는 방식이 달랐을 뿐입니다.

Abrams: 네트워크는 새롭고 다양하고 흥미로운 방식으로 스탠드업을 선보이려고 했습니다. 우리는 스토리텔링 쇼였고 실화를 제공했으며 최소한 잠재적으로 코미디언뿐만 아니라 거의 모든 사람을 예약할 수 있었습니다. 그래서 이것은 그 당시에 많은 의미가 있었습니다.

Shaffir: 우리가 웹을 위한 작업에 대해 논의하기 시작했을 때 처음에는 스토리를 "인터넷 길이"로 만드는 문제가 몇 분 밖에 걸리지 않았습니다. 나는 즉시 "아니, 아니야, 아니야"라고 생각했습니다. 결국 모든 사람들은 콘텐츠 규칙이 없다는 데 동의했습니다. 사람들은 자신의 이야기만 하게 될 것이었습니다.

Abrams: Talent는 꽤 잘 반응하는 것 같았습니다. 적어도 LA에서는 스토리텔링 쇼가 폭발하기 직전에 시작했기 때문에 사람들이 궁금해했을 것입니다. 그리고 라인에 아무 것도 없었기 때문에 예라고 말하는 것이 더 쉬웠을 것입니다.

Saifer: 우리는 그것이 일종의 실험이라는 것을 알고 있었기 때문에 돈 없이 그것을 했습니다. 매우 일반적으로 들리는 스토리텔링 쇼입니다. 우리는 최저임금을 위해 10~12개의 에피소드를 했습니다. 많은 호의를 베풀었습니다. 그리고 어떤 직업도 너무 크거나 작지 않았습니다. 누군가가 의자를 움직여야 한다면, 당신은 의자를 옮겨야 합니다. 모두가 손에 들고 있었고, 모두가 필요한 일을 하고 있었습니다.

Abrams: CC Studios의 전체 예산은 매우 적었습니다. 내 말은, 그것이 터무니없이 작았다고 주장할 수 있습니다. 코믹하게 작습니다. 그리고 우리는 일년 내내 많은 쇼를 만들고 발전하기를 원했기 때문에 단일 시리즈에서 모든 것을 날려버릴 위험을 감수하고 싶지 않았습니다. 예, This Is Not Happening 의 예산은 놀라울 정도로 낮았습니다. 특히 우리가 제작 하루 중 13개의 에피소드(하나의 스토리는 하나의 에피소드와 동일)를 짜고 있다는 점을 고려할 때 특히 그렇습니다. CC Studio에 사내 제작 팀이 있어 비용을 절약할 수 있었습니다. 그러나 그 당시에는 전반적으로 자존심이 설 자리가 없었습니다. Sam과 나는 나머지 승무원들과 함께 나타나 클럽에서 가구를 꺼내고 의자 설치를 도왔습니다. 스태프가 일하는 동안 내가 멍청이처럼 서 있으면 CC Studio 세트에서 창피함을 느낄 것입니다.

Saifer: 우리는 몬트리올의 드래그 퀸 스트립 클럽인 Café Cleopatra에서 라이브 쇼를 했습니다. 그리고 그것은 완벽하게 작동했습니다. 그래서 우리는 LA에 있는 스트립 클럽에서 해보고 싶었습니다. 보드빌이 있었고 그 다음에는 스트립 클럽에서 스탠드업을 하던 Lenny Bruce 같은 사람들이 있었습니다. 스트립 클럽은 당신이 하고 싶은 말을 할 수 있는 유일한 곳이었기 때문입니다.

Abrams: Jeff Tomsic을 이 쇼의 감독으로 고용한 것은 이것이 지금까지 내린 결정 중 최고의 결정이었습니다 . 그와 [촬영감독] 스티브 칼리트리(Steve Calitri)는 멋진 촬영 장소를 찾기 위해 스카우트를 나갔고, 결국 치타에 도착해서 지치고 불만족스러워하다가 그것을 보고 집착하게 된 것 같아요. 그들은 Sam을 초대했고 그녀는 즉시 그것을 받았습니다.

Saifer: We really wanted to film it in Cheetahs because of the bar in back. The bar that you can see in the shots is an original Tiffany’s bar that was trucked in from Vegas. The owner is this wonderful, helpful, really old-school guy who is friends with people named, like, Johnny Roast Beef.

Treyger: I really wanted to do something with the pole when I walked out, but I don’t have the body strength.

Saifer: We also wanted to film it in a strip club because we wanted people to be non-judgmental. We want the audience to be up for anything. If you’re going to see a comedy show where Bobby Lee is telling a story about cumming in his friend’s eye during a threesome and you weren’t ready for that, you’re not going to be so into it.

Abrams: It didn’t hurt that Kingsley had first seen the show in a strip club. [Then-programming VP] Robbie Praw had a good vision for us when he brought us to JFL and gave us midnight shows at the Cleopatra, a sex club right down the street from the Hyatt. The theme for the whole week was sex stories: We called it “So I’m Fucking This Girl, Right?” because I am a weird idiot. And again, Comedy Central was looking for new ways to present stand-up. Kingsley saw this unusual show in this unusual venue, and I think that really helped click everything into place for her. So Cheetahs—accidentally though it may have been—provided some synergy with her first experience.

Saifer: To Comedy Central’s credit, they were super-cool about letting us experiment with the show and take chances. They really trusted us to go more or less nuts. And also online we were getting millions of hits for this thing that was just kind of an experiment. I think T.J. Miller’s story alone has well over a million hits right now.

Abrams: Keep in mind, when we started This Is Not Happening in 2010, transitioning a live comedy show to TV really wasn’t so common. Now it seems like someone puts on one good live show and they start talking to networks. We really had hopes, but we didn’t have expectations. We didn’t have a reason to believe we would end up on TV, so we weren’t trying to be on TV.

Ganeless: This Is Not Happening was so embraced by the talent community in particular, and our fans loved it. We felt this was another great way to experiment with the stand-up format for online—and linear—as well.

Shaffir: Doing the digital series was a learning curve, and everything got better as we went. So we did that a couple times, and it was popular, so Comedy Central said, “Let’s do it for TV.” They’d been talking about doing digital as, like, the minor leagues for TV, but eventually it was like, “At some point you need to actually do it.” And they did.

Alterman: It’s not about the analytics of how much consumption there is digitally. Other questions are much more important in terms of what their voice is and how much potential it has to evolve and elevate into a full half-hour, and how much potential do we feel it has in terms of longevity to keep evolving and growing. Because there are so many examples out there where you see super-popular digital properties get developed for traditional TV—and it doesn’t work.

Ganeless: For us it’s always about believing in the talent, the uniqueness of the idea. Is it something you can’t see anywhere else? A show like This Is Not Happening, it doesn’t exist anywhere else.

Saifer: In transitioning it to TV, we wanted to be careful about not changing it too much. I think the only thing we really changed was that we were doing cool openings before, but now they’re really grandiose. We’re doing, like, Michael Bay-type epic openings.

Abrams: The opening title sequences from the digital series became a calling card for the show. Tomsic is a big weirdo who always wanted to do big weirdo title sequences, bless his insane soul. So when we were developing up to TV, the goal was always to make bigger and crazier title sequences.

Larsen: It has a very distinct look and is shot in a very intimate space. They shoot these really cool show opens that are always very inventive and cinematic, and that carries on throughout the show.

Shaffir: There were questions about doing things differently with the look or cameras. But they’d already liked the product and trusted what we’d done before. Also one season for us is probably an eighth of a Workaholics or Broad City budget.

Abrams: There’s more pressure to deliver ratings on TV, though Comedy Central in general doesn’t inflict that kind of nonsense on us. It just lives under the surface. But we aim higher in booking the TV show than we did for digital. And we book a lot more slots now, which is a challenge. Cutting down a 19-minute story to fit into one act of a TV show is a crazy challenge, but we have a killer—and very patient—post team.

Saifer: I’ve been told that what comics like about the show is that our approach is really for the comics. It doesn’t feel like “We’re making this for television!” We don’t give people the light when they’re telling their stories, and some of the stories in the live show are 20 minutes long. The live show needs to just be a live show.

Abrams: In digital we didn’t have the time restraints that we have in TV. But Ari has always been clear: It’s crucial to him that comics are allowed to tell the story the way they want to tell it. And that almost never means a tight six-and-a-half minutes. So that took some figuring.

Shaffir: With the live show, I tell people to do five to 15, really broad. It’s not like telling jokes for a specific amount of time. The shortest one was seven minutes. We’ve had 250 stories that are longer than that.

Abrams: The idea is to tell the story the way the comics want to tell it. Of course we can’t put the full versions on TV because they’re just too long, but we are able to release extended versions online. Ultimately someone who tapes a story gets a complete version that looks fucking awesome online, where people can find it when they find it. The best feedback we get is from comics who have found new fans because their story is available for people to discover it. It’s an unusual system and it’s been a process to make it work, but the network has been awesome about it: Anne Harris and Ryan Moran, and Jonas Larson who runs that department and has been so incredibly supportive of the show and of Ari. They have always been open to our suggestions, no matter how big or small.

Saifer: The live-show experience is the most important part to us. Because of that, I think we were able to get comics who wouldn’t normally want to essentially give material away for digital. T.J. Miller did our first season for pretty much no money. His story was about almost dying from a brain aneurism, and the reason he survived is because he drank so much. We had David Koechner, Kyle Kinane, Sean Patton, and all these really supportive comics of this kind of “community” show.

Metzger: They edit the story so it comes out well. I probably did 15 or 20 minutes when we were taping it, and I didn’t think about how they were going to cut it, but Ari made sure I was happy with the edit. He helped pull out different details. Some people don’t do that, and you never know what’s going to happen when something gets edited. When they showed me the first edit I was like, “Oh my God, you’ve got to change this!” And he let me.

Abrams: Brian Regan taping this most recent season was really special. And Doug Stanhope: Two of my all-time comedy heroes. And Maria fucking Bamford did the show, too. Louie Anderson—I grew up loving his cartoon show. Those types of bookings still amaze me. And Ms. Pat. I could listen to Ms. Pat tell stories all night. I have listened to Ms. Pat tell stories all night.

Treyger: Sam Saifer, Eric Abrams, and Ari are some of my favorite people in the world. It felt like summer camp, where you get to see everyone and hang out and get to meet legendary comics. It’s a great show, but there is also no set time. You tell your story; say what you want. Their number one goal is to make sure it’s an amazing show for the audience that’s there. I’ve been telling my story since I was 21 years old, when it all happened. So it’s cool having a place where being a chatterbox and having a story of being a drunk mess turns into a positive thing.

Shaffir: You get to know the comedians a little more. It’s just more interesting than seeing someone being a character onstage. It’s not just telling jokes and being funny. Like, Moshe Kasher’s story is sad. You get so much more than just one-liners about traffic.

Leggero: I was there one night just as a fluke, going to see my husband [Kasher], who was on a different story. I happened to be in the audience and Steve Rannazzisi was there telling a story about how Ari threw a drink in my face. We dated briefly, and we’re all cool now, obviously, so I was like, “If you guys want me to get up, I can get up and we can kind of talk about it or reenact it.” And they were like, “Hell yeah!” Basically Ari didn’t want me at the Comedy Store when we broke up because he felt like that was his turf. I was like, “Well, you can’t own the Comedy Store, because I started there.” I went there one night with my friend Morgan Murphy. Morgan went to the bathroom, so I was sitting there by myself for a second, and Ari just came up and threw a drink in my face. But everything is good now, and it was kind of cathartic to talk about it on This Is Not Happening. We have proof now, on camera, that everyone is cool.

Abrams: Watching how good Ari has gotten over the past three years has been really special. It’s not like he’s the host because he was some amazing storyteller in 2010. He was just a dummy who wanted to talk about mushrooms, and I was a dummy who loved hearing about mushrooms. But now—man, he has gotten so good.

Shaffir: I do my story and then just sit there and really enjoy it. It’s always been my favorite show to watch.

Abrams: I’m just so proud of and happy with the way things have gone for the show. It’s cool that it has been a true grassroots effort, every step of the way. So many people have contributed so much to the success of the show—and I really believe we’re making the best stand-up show out there. I actually believe we’re making the best stand-up show ever.

Ian Abramson (host and creator, 7 Minutes In Purgatory): What Comedy Central is trying to do now is look at their digital series as a farming system. The way that This Is Not Happening went is that they did two seasons of a digital show, and then they were like, “All right, I think we’ve got it to a place where we can do a TV show!” So I guess that is what will happen with Comedy Central in the future: They will take chances on digital series. That gives them the chance to really help shape it, so hopefully by the time it would go to series, they already feel really good about where it’s at.

Alterman: We’re driven by our fans, so we really want to develop all different kinds of content with all different kinds of talent and meet them where they are, which is on all these multi-platforms. We want to feed the insatiable appetite for consumption, and we also use it as a pipeline for taking more shots, especially with the emerging talent. Sometimes it’s even passion projects for more established talent. We’re feeding all these masters simultaneously, and sometimes things like Idiotsitter or This Is Not Happening come about where we realize this has great potential for elevating up to becoming a franchise on all of our platforms, including our linear platform.

Larsen: I first met Jillian [Bell] as part of the supporting cast on Workaholics, and Charlotte [Newhouse] was one of our staple of actors we used for Mash Up, which was a series we did with T.J. Miller four or five years ago. They first came on our radar there, and then they came in with this pitch to CC Studios that everybody really loved.

Abrams: I knew Jillian from my days working for Just for Laughs. She showcased for New Faces Characters the first year we did it, and she was a no-brainer to book. She was incredible. Kingsley ran the theater for the Groundlings back in the day, so she had known them both for a while too. And by the time they took Idiotsitter out, Jillian had established herself as never-not-funny on Workaholics. And the chemistry you get from two people who have been writing together for so long is something you just can’t fake.

Jillian Bell (co-creator and co-star, Idiotsitter): We came up with the idea in a very unsexy way: It was like, “What’s the most cost-effective pilot/series for Comedy Central? If we’re stuck in one location, where could be stuck at?” That’s where the idea of house arrest came up. We didn’t have particular parts in mind. When Charlotte and I started to write it, we just said, “Okay, there will be someone on house arrest and then maybe somebody who needs to watch that person.” When we started to improvise it and play around, it seemed that I fit more into the “Idiot” part, and she fit more into the “Sitting” part.

Abrams: I was in the room when they first pitched Idiotsitter to CC Studios, but Allison Kingsley set it up. She was backing the project from day one.

Bell: We pitched it to them with two other things. It was our favorite and they liked it, but it wasn’t quite the right timing, so they passed. We said, “Great—we will write it for you!” They were like, “We didn’t ask for that, but go ahead.” So we wrote it as a pilot and submitted it to them. They said, “Oh my gosh, it’s so funny. At this point we’re still going to have to pass.” We’re like, “Great!” Then the idea got brought up of doing it as a webseries, and we jumped on that.

Abrams: Most everything we did at CC Studios we hoped would continue to develop with Comedy Central and become television shows. I hoped that, at least. But certain shows built around talent that everyone could agree was more “network ready”—like Jillian and like Kurt Braunohler when we did Roustabout—we would bet bigger on those. So yeah, we had high hopes from the beginning, and Jillian and Charlotte had first pitched the show as a half hour, so they had similarly high hopes.

Larsen: It was incubated on CC Studios as a short-form series, and with the same director as This Is Not Happening, Jeff Tomsic, who is a super-talented guy. We saw this potential in it: Obviously it has a great cast and was such an interesting idea, and you could really see it play out between Jillian and Charlotte’s characters. We get a lot of great scripts, but ultimately it’s the execution of them that determines if we move forward. And they did such a great job on CC Studios making that little webseries that was really funny but also looked great. It had such a high production value on such a tiny budget that you couldn’t ignore it. There was so much passion behind it.

Bell: It’s sort of the best way of having a show: It’s a way to get it out to the public and test out our writing and cast and chemistry together, and just have it be out there in the world. Whereas with a pilot, you can shoot it and no one sees it if it doesn’t go anywhere. So we were really excited to do the webseries, and after the webseries they picked it up for 10 episodes, and our minds were blown.

Ganeless: Idiotsitter was a project Jillian wanted to do. She’s a talent we believe in. After the first season on the web, we thought, “Let’s think about what this could look like as a full half-hour series,” and they brought it to life.

Bell: People kept asking us what we were going to do with it as a TV show. We’re like, “We’re going to make it longer! And we’re going to be excited that we’re on TV, is what we’re gonna do!” Hiring writers was probably the most difficult part. It was the first time where it wasn’t just Charlotte and I writing something together, and we sort of share a brain, so it was really hard for us to communicate our side of things sometimes. We had lovely writers—I think it was just an interesting experience for us to be like, “No, this isn’t right,” or “Yes, this is it.” It was just difficult for us a little bit, getting over our baby. But when it came to shooting it, it was the best time of our lives and made us want to do it for 80 more seasons.

Kyle Newacheck (co-creator, Workaholics): Directing Idiotsitter was super-fun. I love working with Jillian Bell—really anything that she’s a part of, I’ll be there to help her out in any way. When I met her back in the National Lampoon days, we did this weird green-screen video. There were 12 or 15 people who had to bring a character in front of the green screen. Jillian did this awesome infomercial about a concentration camp. She was trying to get people to come to her wonderful summer camp—that was called Concentration Camp. The character that she played was so stand-out, I just remember thinking, “Oh, I get it: You’re the best!”

Bell: Kyle is incredible. I had my fingers crossed that he would want to do an episode and was available, and both happened. He just has such an ease at it. He knows what he’s doing, he’s so relaxed, he gets the best out of everyone, he’s just a really strong director. And comedically I just trust him. Hopefully he’ll want to do something for the second season.

Larsen: We all just liked the show and where it was heading, and we loved the talent. Simply on its own merits, it was renewed for a second season.

Bell: We are going back to college. So for Billie this will be returning to her life of academia, and for Gene it will be her first time being a student. So it’s a pretty exciting going someplace completely different than the first season. It’s sort of opening the world to a lot more characters. There’s only so many you can have in the house, so we wanted to take it outside of the house.

Alterman: We started CC Studios as a sort of separate, independent hub within the network for creating digital shorts. Since then we’re thinking of all of that in a more holistic way, and a more integrated way. So instead of having something that’s separate and apart, whatever we’re doing in short form or on digital platforms is just part of the whole of what we’re doing, in terms of content development and production. So CC Studios specifically doesn’t exist anymore, but we just kind of absorbed that function into what we do organically.

Jonas: Idiotsitter was one of the last things that CC Studios did. I think we absorbed it two years ago into Comedy Central development simply as a function of how the television landscape has changed and become more focused on not just more linear, but also on creating content for the social platforms like Snapchat and all those other places. It just became apparent that all of that should go though development. We were more and more using those social platforms as incubating platforms for talent and for show ideas. So it just felt like a natural evolution: Instead of having this separate entity, fold it all within talent and development. It just felt like the next step in this process of adjusting to the changing landscape.

“It was the Kardashians meets Downton Abbey: This is a no-brainer!”

Having served as a Chelsea Lately panelist, Last Comic Standing judge and Ugly Americans succubus, in 2010 Natasha Leggero was eager to launch a star vehicle showcasing her wider range of writing and acting talent. But her character-driven social satire hadn’t yet gone mainstream, and the best female-driven comedies on the air were headed by proven stars Tina Fey and Amy Poehler. Even with Ben Stiller’s Red Hour Productions, a theme song from Justin Bieber Roast pal Snoop Dogg, and direction from Jeremy Konner—looking to expand beyond Drunk History himself—four years later Leggero and Garfunkel And Oates’ Riki Lindhome continued encountering skepticism in the face of a heavily layered concept.

Uncompromising dedication to their vision prevailed. The two would go on to assemble the smartest and most socially relevant sitcom in Comedy Central’s current arsenal, a mash-up highlighting both history and pop-culture hysteria, and—with the likes of Paget Brewster, Michael Ian Black, Brett Gelman, David Wain, Christina Hendricks, and David Koechner—a jaw-dropping cast that proved as fearless as it was challenging to wrangle.

Leggero: Five years ago Riki and I went to Africa together with a bunch of comedians—Nick Kroll and Ed Helms and Paul Scheer—to try to help cure malaria through comedy. It was a pretty heavy trip, and Riki and I really bonded. One thing we both felt similarly about was we wanted to create our own shows for ourselves. We were like, “Let’s meet up when we get back to L.A. and brainstorm.” I had a few ideas I was thinking about—one of them was a fake reality show about just these super-rich assholes. I also had this idea that was a little more serious, and took place in the turn of the century. I was really into 1902, which was this time in the Gilded Age where people were so rich. I was telling Riki the ideas, and she was like, “Well why don’t we combine those?”

Konner: Whenever Natasha talks about it, she says people back then were living like rappers. At this time 110 years ago in Newport, Rhode Island, 90 percent of America’s wealth was concentrated there in this tiny, tiny town with the Carnegies and the Rockefellers and the Astors and the Vanderbilts and every powerful person in the country.

Leggero: People were living in these marble mansions, and they paid no income tax. They had 40-person staffs, no boundaries, no limits. They would have houses constructed in Florence, then deconstructed, shipped overseas, and then put back up in Newport. It was just so over the top, and all these places still exist. You can go visit these 15 or 20 house museums that still exist as part of the Preservation Society Of Newport County, and hear these stories about these insane rich people. I think Rockefeller had more money than America.

Konner: They were, for the most part, new money. People who were disgusting fur trappers all of the sudden are the richest men in America. They’re wiping their mouths with the tablecloth and they don’t know what the fuck they’re doing. Everyone’s trying to figure out, “How do the rich English people do it? Because we don’t know what the fuck we’re doing!” There was no income tax and people could just make so much money as long as they could get cheap Chinese slave labor. What appealed to me about that show was exploring the way that nowadays someone can just create an app and suddenly have a billion dollars. It was in many ways similar.

Leggero: Riki and I both love Downton Abbey. That’s obviously taking place in England, but I don’t think people realize America had its own version of what was happening at this exact same time in history.

Konner: They thought I’d be a good fit because of Drunk History. I started talking to them about Downton Abbey, which they let me refer to as “Downtown Abbey” for a while, and I felt real stupid when I found out later that I’d been pronouncing it wrong the whole time. We worked on a script that they really wrote. The three of us crafted what it would be like, but they’re the two geniuses who created this whole world.

Leggero: Women had no rights, they couldn’t vote, they wouldn’t even let women read. They thought that if women read, it would shrink their ovaries. It was just such a strange time for women, but in Newport women actually had some power because they ran the social life—balls and parties were such a huge, huge deal at the time. We started thinking, “Wow, these girls are like the Kardashians! They’re just trying to get famous so they can climb through the ranks of society.” The only way for a woman to really be upwardly mobile was through marriage and society and parties.

Liebling: I knew Natasha when I was at Red Hour. We had tried to develop other stuff, and then they got Jeremy Konner and shot this undressing scene and tried to sell it. They weren’t as quite well known as they are now, but they came to me and I was like, “This is brilliant. I can’t believe no one would buy this show! It was the Kardashians meets Downton Abbey: This is a no-brainer!” I knew it in my gut, and I said, “I’m going to take this out with you.” When we recut it as a sizzle thing, we realized we needed to make it more of a reality show. What we had before was just isolated scenes that were sort of spoofy of Downton Abbey, but when we put it in the context of a contemporary show, it suddenly changed the conversation.

Konner: We shot a presentation, went out, and tried to sell it, and we consistently heard that people weren’t sure a show with two female leads would be marketable. We decided one year later to go out with it again, because we had seen on TV that hadn’t happened, and it wasn’t the case. The tides had changed, and it was very refreshing that people realized you totally can have a show with two female leads. It’s nonsense. People have been doing it forever. Ever heard of Laverne & Shirley?

Liebling: We took it out all around town and had two offers. It wasn’t a slam dunk at Comedy Central. It took some pushing, and we got very little money, but we did the pilot. Then it took them about six months to decide they were going to pick up the series, because I just don’t think they were sure. But I got Kent to say yes to the pilot, and that was the next step.

Alterman: Natasha and Riki have a great vision for what the show is. It’s got such an original way into this world. On the surface it’s a period show, but it’s still contemporary at the same time. It really has such deep social commentary about the wealth disparity that’s happening today, and also with reality TV and celebrity culture. It just has so much going on.

Konner: We get to lampoon anything from our current time by sort of showing that it existed 100 years ago, and how stupid it was 100 years ago because everyone was so awful and racist and classist. We get to shine a light on how terrible people were then, and then you can draw your own parallels.

Liebling: It makes it relevant. It takes it from being a parody or a sketch to actually having a real point of view. Manor comedies or Upstairs/Downstairs were always reflective of the times, and in some great way, it shows how things never change. Episode 202 aired the week after Orlando, but it’s about hatchets, and “If everybody had a hatchet, then nobody would get hurt, because you can stop other hatchets with your own hatchet.” The class issues haven’t changed. The way we treat other people hasn’t changed. We have better health care now and we’re not shooting up cocaine at the dinner table—usually—but some of the key social issues are the same. When you put it in the language of that time, you see that these are things we still grapple with.

Ganeless: Fans love it, there’s that. It is just one of those shows that keeps getting better. Not unlike Drunk History, they find ways to evolve it every season. Natasha and Riki and that entire cast are super-talented people.

Leggero: Being able to be in the past and have these characters, they get to dress up and represent a different time. It’s been so easy to get such a great cast, because everyone wants to dress up and talk like they’re from 100 years ago.

Liebling: We were able to get this incredible cast together—and those actors love to dress up. There’s a lot of room for improv, and it’s just a lot of fun for the people in it.

Leggero: Michael Ian Black plays our butler Peepers, and he is just meant to play this part. He is channeling something. It was an honor for some of these butlers to serve the family, and he really gets that in the most comedic way. Jason Ritter, who plays our brother, I feel like he’s channeling something too. I’ve seen him do more dramedy-type stuff, but he is a great physical comedian. He plays an idiot—he’s just so stupid—when he just lets himself go, it’s so funny. He’ll do pratfalls just in rehearsal. Every time he walks by the pool he would pretend to fall in. And you’re just like, “Jason, don’t!” He has such an amazing control over his body—when we get him doing more physical stuff, it’s so great.

Konner: We pay people very little, so we don’t have a lot of leverage in that sense. They have their network shows on NBC and CBS, and we really have to work around schedules. We have to constantly change scripts and cut people out of storylines and add people back into storylines.

Liebling: Almost everybody on that show is on another show. Nobody’s ever available on the same day, so it is a scheduling nightmare. You only have Michael Ian Black for three weeks and Christina Hendricks for three weeks, but they’re not the same three weeks and they have three scenes together, so what are you gonna do? And Dave Koechner is doing this movie and has a booking there, and Paget Brewster’s on Grandfathered. Tom Lennon’s on The Odd Couple. The schedule, because those people aren’t technically locked up on our show outside of a few core players, we have to work around them. Scheduling-wise, the AD probably has the hardest job on that show. On the comedic side, it’s just amazing.

Konner: In one day we’ll shoot scenes from four different episodes, so it is quite an ordeal to keep all the storylines intact, but that’s really a testament to Riki and Natasha. They have such a good sense of how all the stories go together in the season. They really have a vision for everything.

Liebling: Comedy Central is [now] so supportive of it from a content standpoint. I think they were really surprised by it. I think I was even a little surprised by how elevated it became.

Konner: Last time we didn’t get picked up until four or five, maybe even seven episodes had aired. So the fact that we found out we got picked up for a third season so early really opened the door for us to come up with a lot of great things. I can’t tell you too much, because it will give away what happens at the end of this season.

Alterman: It’s so funny, it’s so sharply written and amazingly performed by this incredible cast of comedy powerhouses. We feel really lucky to have it on the air, and so as long as they want to keep doing it, so far we’re right there with them.

“People aren’t just passive viewers any more of television shows.”

Comedy Central was one of Snapchat Discover’s inaugural media partners; in March of 2016, a Variety survey placed the network second to BuzzFeed in popularity among Snapchat users ages 13 to 24. A week later Comedy Central announced the renewal of four existing Snapchat series, plus the addition of nine new properties ranging from animation and sketch to stand-up and reality.

Launched in September 2011, the social media app monetizes Discover channels based on the views and shares of Snapchat’s estimated 150 million daily users. With content available for a standard 24 hours only, Comedy Central and a dozen-plus other brands continue experimenting with talent, content, and format in accordance with fan reactions. [Full disclosure: Those brands include The A.V. Club’s sister publication, The Onion.] And like MotherLoad, Atom.com and CC Studios before it, the platform encourages the development of new voices. (Popular series Now Hiring even helped Michelle Wolf land a gig on The Daily Show.)

The Snapchat push was the latest in a legacy of creative and technological innovation spearheaded by Michele Ganeless, who joined Viacom in 1990 and has collaborated in Comedy Central’s evolution since its 1991 launch. From 2001 to 2004 she served as executive vice president and general manager of USA before first returning to Comedy Central as general manager, then becoming its first female president in 2007.

On May 10, Ganeless announced her departure from the network for which she’d overseen nearly 10 years of popular and critical success. She remains in an advisory role to transitioning execs including successor Kent Alterman through September.

Konner: I remember very clearly the moment the cable provider in my house started showing commercials for a new Comedy Channel, as well as the commercials for Ha! And I remember very quickly becoming completely obsessed with the network. I watched it almost exclusively, and starting taping everything off of it. I would make Kids In The Hall videotapes to show my friends. From really the first moment it existed, I’ve been a fan. It’s been a dream of mine to be associated with them in any way. Although there was a middle chunk where I think I was not as excited to—it doesn’t matter. Everybody knows there was a middle part. But now we’re in a very exciting new era of leadership at Comedy Central.

Herzog: Nobody else was doing what Comedy Central was doing at the dawn of original programming in cable. What’s changed is there’s a lot of other people who are in the original-content and comedy business now on several different platforms. And competition just grows and grows and grows. That’s probably the biggest change.

Hardwick: People aren’t just passive viewers any more of television shows. People are actively involved in shows, and they influence what happens week to week. Television as an industry was spoiled for a long time because it was basically just a monologue that they would fire at the audience, who didn’t really have a lot of choices: “Well if you want entertainment, this is how you have to get it! And if you don’t like that, fuck you! What are you going to do?” Now things are so much more conversational. It’s a two-way conversation, which I think is great. It’s how it should be.

Lawrence: I grew up on Comedy Central. Beat The Geeks helped get me through college. I think that’s a part of why you get into comedy: So you can make someone feel the way you did. And now they can tweet at you and say that you did make them feel that way, but they no longer feel that way because you’re no longer as funny as you used to be. So it’s great!

Herzog: When I was at Comedy Central the first time, as a 360 business it was understood that comedy’s strength was in the domestic business, and comedy didn’t really travel that well internationally. Now it travels much better internationally and is a much bigger business. And as much as anything outside of music, comedy travels great in a digital world. Phones have become what transistor radios were to me and my generation. My kids walk around with phones, watching comedy content in short form all day. Versus talking to their friends about their favorite songs and favorite bands, comedy is the real commodity out there. I think a lot of these kids are making friends and evaluating people based on who they like in comedy, because that’s what they’re interacting with in their mobile life.

Hardwick: It’s like stand-up: You have an immediate reaction when you do something in a stand-up show. You know if it works or not, because your audience is the other side of the relationship that’s helping to dictate that. Again, television used to be very spoiled because it was one platform, and television now is just a platform. Now you have to chase your audience a little bit and go, “Okay, we’re gonna aggregate the same numbers that television used to get, but we’re going to make content that’s five times the work.”

Herzog: 전략은 우주와 마찬가지로 계속 진화합니다. 몇 년 전으로 돌아가보면 디지털 그룹이 있었고 그 다음에는 전통적인 선형 그룹이 있었습니다. 몇 년 전 우리는 더 이상 "디지털 및 선형"이 아니라 단지 Comedy Central이라고 말하면서 이 모든 것을 없애고 모두 합쳤습니다. 그것은 브랜드입니다. 그리고 브랜드는 TV에만 존재하는 것이 아닙니다. 어디에나 있습니다. 이 모든 플랫폼에 있으며 우리가 아직 알지도 못하는 플랫폼에 있을 것입니다.

Hardwick: 저는 사람들이 "디지털"을 모든 것이 한 가지인 것처럼 언급하는 것은 항상 실수라고 생각합니다. 그러나 그렇지 않습니다. Amazon, Hulu, Netflix조차도 인터페이스가 다르고 사람들이 고유하게 상호 작용합니다. "디지털"은 다면적이고 다면적인 짐승입니다. 각 플랫폼에 적합한 콘텐츠를 만들어야 합니다.

Herzog: 모든 쇼는 다르며 계속해서 발전하고 있습니다. 그것은 우리가 360도 방식으로 모든 쇼와 함께 모든 플랫폼에서 매일 다루고 있는 것입니다.

Hardwick: 저는 모든 플랫폼에서 항상 동일한 콘텐츠의 용도를 변경하는 것을 믿지 않습니다. 사람들은 Twitch 또는 TV와 상호 작용하는 것보다 Twitter와 상호 작용하는 것과 Facebook과 상호 작용하는 것과 Snapchat과의 상호 작용 방식이 다릅니다.

Larsen: 1년 전에는 Snapchat에 대해 잘 몰랐습니다. 시작하면서 우리는 깨달았습니다. “여기에 엄청난 청중이 있습니다. 코미디는 순식간에 작동하고 그것이 Snapchat에서 작동하기 때문에 청중과 소통할 수 있는 좋은 방법입니다. 우리는 또한 긴 형식이 특정 컨텍스트에서 정말 잘 작동한다는 사실을 발견했습니다. 이것은 일종의 놀라운 일입니다. This Is Not Happening , 우리는 그 이야기 중 일부를 Snapchat에 올리기 시작했고 실제로 우리가 거기에 올린 모든 쇼 중에서 Key & Peele 보다 관객을 가장 오래 참여시키는 쇼가 되었습니다 . 이들은 모두 5분에서 7분 분량이며 사람들은 이 플랫폼에서 평균 2분에서 3분을 보내고 있습니다. 다른 모든 경우에는 초입니다.

Saifer는 : 들어 이런 일이되지 않는다 , 우리는 우리의 쇼를 위해 스냅 당 50 만 뷰를 받고 있습니다. 그리고 우리는 꽤 높은 전환율을 가지고 있습니다. 나는 Snapchat이 완전히 다른 시대에 자라는 사람들에게 콘텐츠가 무엇인지 보여주고 실생활에서 그것을 찾도록 하는 멋진 방법이라고 생각합니다.

Larsen: Snapchat이 방송에서 하고 있는 일을 보완할 수 있는 방법을 찾고 이를 위한 일종의 맞춤형 Top Snap을 만드는 것이 프로덕션에 대한 우리의 생각에 통합되는 것입니다. 시리즈를 만들 때 우리는 항상 일부 버려진 영상이 아닌 플랫폼에 맞는 Snapchat 구성 요소를 만들려고 노력합니다. 팬들에게 의미 있는 리얼 콘텐츠다.

Alterman: Snapchat은 청중이 완전히 참여하는 플랫폼입니다. Snapchat Discover가 출시되었을 때 Comedy Central은 자체 채널을 갖도록 초대받은 유일한 엔터테인먼트 브랜드였습니다. 우리는 Snapchat을 여러 가지 방식으로 동시에 봅니다. 무엇보다도 우리의 청중이 있는 플랫폼이므로 그곳에서 만나고 싶습니다. 그것은 또한 수익을 창출하는 플랫폼이므로 우리에게 관심이 있습니다. 그리고 사람들, 특히 신흥 인재들과 더 많은 기회를 제공하는 또 다른 플랫폼입니다. 그래서 우리는 새로운 인재 관계로 많은 콘텐츠를 생성해 왔습니다.

Larsen: 콘텐츠에 대한 진정한 참여와 욕구가 있다는 사실을 알게 되자 콘텐츠를 최대한 활성화하고 아이디어를 제시할 젊은 인재를 찾기 시작했습니다. 일부는 해당 플랫폼에 적합하다고 생각한 인재와 함께 내부적으로 개발할 것입니다.

Herzog: Nikki Glaser는 쇼가 방영되기 전부터 Snapchat을 위한 독창적인 콘텐츠를 만들기 시작했습니다. 그것은 그녀가 그곳에서 발판을 마련하고 쇼를 판매하는 데 정말 도움이 되었습니다.

Alterman: 쇼를 시작하는 데 성공적으로 사용할 수 있었습니다. Not Safe With Nikki Glazer 가 1월에 출시 되기 전에 그녀 는 Snapchat 시리즈로 Quickie With Nikki 를 시작했습니다 . 어떤 면에서는 쇼의 콘텐츠를 내놓는 것이지만, Snapchat을 위해 특별히 설계되고 제작된 콘텐츠이지만 쇼와 같은 목소리에서 나온 것입니다. 우리는 몇 달 전부터 시작했고, 출시에 앞서 청중이 그녀와 그녀의 관점과 연결되기 시작했습니다. 그것은 매우 효과적인 것으로 판명되었으며 그녀는 Nikki와 함께 Quickie를 계속해서 수행 하므로 기존 프랜차이즈에 대한 응용 프로그램을 볼 수 있습니다. 현재 우리의 모든 쇼, Daily Show 등은 Snapchat을 위해 특별히 제작된 콘텐츠를 하고 있습니다.

Ganeless: 우리는 이미 시리즈를 선택한 후 선형에 도달하기도 전에 Snapchat 오리지널인 Quickie With Nikki로 Not Safe With Nikki Glaser 를 출시했습니다 . 발견을 위한 훌륭한 플랫폼입니다. Swagasaurus 와 같은 Snapchat을 위한 오리지널 시리즈이든 , 젊은 청중이 선형으로 방송되는 쇼를 발견하도록 돕는 Snapchat을 위해 특별히 제작된 콘텐츠이든, 이 곳은 젊은 청중을 위한 발견을 위한 훌륭한 장소가 되었습니다. 플랫폼에 대한 첫 번째 선택은 선형 텔레비전이 아닙니다.

Larsen: Brandon Wardell의 Hot Takes , Nikki Glaser의 Quickie With Nikki , Liza Treyger의 Like It With Liza , James Davis의 Swagasaurus 등 여러 쇼를 개발했습니다.. 그러나 우리는 그 플랫폼에서 상당한 성공을 거두었고 새로운 인재를 발굴할 수 있는 좋은 장소라는 것을 알게 되었습니다. 그것은 앉아서 TV를 켜고 누군가와 30분을 보내는 것과 같은 약속이 아닙니다. 30초, 2분이라는 빠른 시간이며, 마음에 들면 다시 돌아가게 됩니다. 우리는 많은 콘텐츠를 할 수 있기 때문에 정말 중요한 재능 개발 도구입니다. 그것은 영원히 유지되지 않으며 우리는 새로운 것을 시도하고 우리와 브랜드에 참여하고 경험을 얻을 수 있는 인재를 위한 새로운 길을 모색하고 찾을 수 있습니다. 우리는 스탠드업이 해당 플랫폼에서 독특하게 잘 작동한다는 사실을 발견했습니다. 왜냐하면 스탠드업은 짧고 농담이며 빠르게 수정하고 나갈 수 있기 때문입니다.

Treyger: Comedy Central은 많은 곳보다 앞서 있었습니다. 그들은 여전히 ​​젊은 재능에 많은 투자를하고 있으며 귀하의 목소리와 기술을 키우고 무언가를 만들 수 있는 기회를 제공합니다. 그들이 이 일을 하고 있고 나를 염두에 두고 있다는 사실을 꺼냈을 때 나는 정말 기뻤습니다. 아이디어는 아주 간단합니다. 저는 사람들에게 "먹고, 하고, 금지하고, 그만하고, 좋아하십시오"라고 말합니다. 6주 동안 일주일에 한 번 1분 30초이면 끝입니다. 나는 내가 원하는 만큼 주제가 무엇이든 리프를 하고, 그들은 그것을 빡빡하게 잘라냅니다.

Joe Zimmerman( Animal-Lolz ): Comedy Central은 사람들에게 Snapchat에 대한 아이디어가 있는지 문의했습니다. 그들은 더 적은 수의 웹시리즈를 만들고 있으며 모든 웹시리즈 에너지를 Snapchat 채널에 쏟아붓고 있습니다. 나는 모든 데이터가 그것이 차기작이라는 것을 말해주고 있다고 생각합니다. 그리고 그들은 그들의 채널을 통해 많은 트래픽을 얻고 있습니다. UCB East에서 자연과 야생동물을 소재로 한 Comedy Central Corporate Retreat 를 했습니다. 그들은 내 동물을 좋아한다고 말했고, 우리는 내가 재미있는 Animal Facts와 그들에 대한 농담을 하는 것에 대해 이야기하기 시작했습니다. 그들은 애니메이터[Charlie Hankin] 중 한 명에게 내가 스탠드업을 하는 것과 내가 말하는 동물의 애니메이션 사이를 오갈 수 있게 해줄 것을 제안했습니다. 나는 Caleb Synan을 아주 좋아하고 그는 Deadliest Chef 라는 일을 하고 있습니다. 요리 대회에 대해.

Abramson: 우리는 라이브 쇼로 7 Minutes In Purgatory 투어를 하고 있었습니다 . Jordy Ellner는 Denver High Plains Comedy Festival에서 쇼를 보았습니다. 그 쇼에서 코미디언들은 별도의 방이 아닌 외부에서 공연했습니다. 사람들이 걷고 있고 차들이 지나가고 있다는 뜻이다. 쇼를 하는 것은 정말로 재미있는 방법이었다. 그는 단지 그것을 정말로 좋아했고 그것에 대해 시작하기를 원했습니다. 그 이후로 계속 작업해 왔습니다. Snapchat 쇼에 대해 들었을 때 그것은 아마도 어느 정도 핵심 내용일 것입니다. 하지만 난 괜찮아. 무엇이든 기대를 저버리지 않으면 코미디에 잘 어울리는 것 같아요.

Treyger: TV 쇼에서 나는 1년 반 동안 뭔가 작업을 했고 아직 해야 할 일이 더 있습니다. 거대한 프로젝트입니다. 어렸을 때 TV에 대해 생각할 때 누군가의 쇼가 취소되었습니다. "으, 정말 패자입니다." 이제 모든 일에 얼마나 많은 노력이 필요한지 알면서 TV 프로그램을 방송에 내보내는 것은 대단한 성취입니다. 텔레비전을 만드는 것만 으로 도 너무 힘든 일입니다. Snapchat을 사용하면 더 작은 규모로 작업을 수행할 수 있습니다. 바로 저입니다. 다른 캐릭터를 생각할 필요가 없습니다. 하루만 일하면 됩니다. 둘 다의 장점은 자신의 이야기나 생각, 세상과 공유하고 싶은 것을 갖고 있고 그것을 할 수 있는 길이 있다는 것입니다.

Abramson: 이점으로 생각합니다. 더 많은 코미디언들이 Comedy Central과 함께 작업할 수 있는 기회를 제공한다고 생각합니다. TV 쇼와 함께 제공되는 모든 스테이크가 박쥐에서 나오는 것은 아닙니다. 시간이 더 오래 걸리더라도 그랬다면 확실히 나에게는 압도적이었을 것입니다. 대신 거의 시험 실행을 할 수 있습니다. 그들이 보고 보는 조종사가 아니라 "오케이, 이것이 작동합니까?" 그들은 여전히 ​​내놓고 사용할 수 있는 무언가를 만들고 있고 그것은 저에게도 좋습니다. 그러다가 방송이 된다면 이미 인연이 있다. 우리는 이미 우리가 일하는 방식을 알고 있습니다. 우리는 쇼와 그 형식에 맞게 구성되는 방식을 조정할 수 있었습니다.

Alterman: 우리는 그들과 함께 개발하면서 그들이 어떻게 연결되어 있는지 살펴보고 있습니다. 그들의 직업 윤리는 무엇입니까? 사물에 대한 그들의 폭넓은 접근 방식은 무엇입니까? 그들은 자신의 쇼를 만들고 운영하는 생산적인 측면을 다룰 수 있다는 신호를 보입니까? 우리는 그것들을 알고 작업하면서 동시에 모든 것을 살펴보고 있습니다.

로렌스:이제 만화가 되려면 모든 것을 해야 합니다. 나는 이것이 결국 TV 시리즈가 되기를 원합니까? 예. 나에게 그런 일이 일어날 수 있는 영향력이 있습니까? 아니요. 이것은 제가 돈을 벌기 위한 방법입니다. 자신을 표현하고 청중이 있는지 확인하십시오. 그들은 Snapchat 자료 중 일부를 디지털화하고 디지털 자료를 가져와 TV에 올렸습니다. 그래서 분명히 최종 목표는 TV 시리즈가 될 것이지만 지금 당장 하는 것이 행복합니다. 내가 사랑하는 자유가 있고 그 청중과의 직접적인 소통이 있습니다. 당신은 미래를 진정으로 즐겁게 하고 있습니다. 왜냐하면 14세의 많은 사람들이 있을 것이기 때문입니다. 나는 내가 그들의 화난 아빠처럼 보일 것이라고 확신하지만 재미있을 것입니다. 팟캐스트가 있고, Snapchat이 있고, Instagram이 있고, Twitter가 있습니다.그리고 당신이 원하는 모든 것을 가질 때까지 이 사업에서 성공하고 싶다면 모든 것을 시도해야 한다고 생각합니다.

Hardwick: Comedy Central에서 일어나고 있는 가장 경이롭고 혁신적이며 창의적인 코미디의 정말 멋진 르네상스가 있습니다. 직원으로서가 아니라 코미디 팬으로서 드리는 말씀입니다. 그렇지 않으면 나는 아무 말도 하지 않을 것입니다. Kurt Braunohler가 미시시피에서 제트 스키를 타는 것과 같이 그들이 하는 디지털 작업에도 사람들이 감사하기를 바라는 정말 좋은 것들이 많이 있습니다. 내가 어렸을 때처럼 사람들이 꼭 한 채널에서 하루 종일 앉아서 TV를 볼 필요는 없기 때문에 반드시 그렇게 생각하지 않을 수도 있습니다. 하지만 모든 재능을 연달아 볼 때 지금은 Comedy Central에 정말 좋은 시기이고 코미디를 하기에 정말 좋은 시기라고 생각합니다.

Abramson: 그들은 젊은 코미디언 육성에 정말로 도움이 되기로 결심한 것 같습니다. 그들은 디지털 플랫폼을 그렇게 하는 좋은 방법으로 보고 있습니다. 그래서 저는 그것에 대해 만족합니다.

Carlos Alazraqui ( Reno 911! ): 저는 항상 그들이 개방적이고 아이디어를 받아들이고 위험을 감수하고 사람들이 새로운 것을 시도하도록 하는 것을 발견했습니다. 나는 그들이 HBO보다 훨씬 더 좋은 코미디를 만드는 데 큰 역할을 했다고 생각합니다. HBO에는 정말 좋은 프로그램이 있지만 Comedy Central은 일반 사람에게 더 적합합니다. 그리고 그들은 성장하고 있습니다. 그들은 나에게 Pixar와 같습니다. 그들은 진화합니다. 그들은 그것을 얻는다.

Lawrence: Comedy Central이 지난 몇 년 동안 정말 잘한 것은 코미디와 같은 다양한 유형의 사람들과 다양한 유형의 코미디언을 알게 된 것입니다. 그들은 지금 그것을 잘 보여주고 있습니다. 따라서 @midnight 를 좋아하는 같은 사람 이 Nightly Show를 사랑하지 않을 수도 있지만 엔터테인먼트를 즐기는 사람에는 두 가지 유형이 있습니다. 당신은 Comedy Central을 몇 년 동안 보았고, 그들은 좋은 쇼를 가지고 있었지만 많은 정체성을 가지고 있지 않았습니다. 나는 그들이 지금 아주 좋은 아이덴티티를 가지고 있다고 생각합니다.

Herzog: 계속해서 위험을 감수하고 기회를 잡아야 합니다. 레코드 레이블이 지금보다 조금 더 중요했던 날에 비유할 수 있습니다. 사람들은 Rolling Stones, Led Zeppelin 또는 Bob Dylan과 같은 레이블에 있기를 원할 것입니다. U2는 항상 그들이 Bob Marley의 레이블이었기 때문에 Island Records와 계약했다고 말했습니다. 그래서 그것이 그들이 원했던 곳입니다. 그래서 사람들은 사우스 파크데일리 쇼를 만든 곳이기 때문에 이곳에 오고 싶어합니다.에. 그러나 당신은 또한 당신의 역사와 유산과 유산을 그냥 지나칠 수 없습니다. 계속해서 기회를 잡고 새로운 영역을 개척하여 사람들이 당신이 그 일을 하고 그것을 지원하는 곳이며 예술가와 코미디를 이해하는 곳이라는 것을 알도록 해야 합니다. 나는 우리가 그것을 정말 잘했다고 생각합니다. 새로운 인재를 찾고, 육성하고, 출시하는 우리의 능력이 바로 우리가 하는 일입니다. 이것이 Comedy Central의 생명선입니다.

Konner: Comedy Central은 역사상 가장 위대한 코미디 유산을 보유하고 있습니다. 모든 사람이 시작하는 곳이고, 모든 사람이 돌아오는 곳이며, 모든 사람에게 백만 번의 기회가 주어지고, 우리의 가장 위대한 코미디언이 Comedy Central에서 발견되는 곳입니다.

Liebling: Comedy Central의 가장 큰 장점은 코미디를 통해 우리 세계를 다시 반영하려는 의지입니다. 그것이 우리가 하는 일이고 그 쇼가 지속되는 이유입니다. 왜냐하면 그들은 두려워하지 않기 때문입니다. 문화적 경향, 감정적 경향, 시간이 지남에 따라 상황이 느슨해지거나 팽팽해지는 기간이 있습니다. 그러나 Comedy Central은 사람들이 자신의 목소리를 표현하는 것을 두려워하지 않습니다. 그리고 저는 다른 어떤 네트워크도 생각할 수 없습니다. 확실히 기본 케이블에서 그렇습니다. 그것들이 그들 자신의 쇼의 성공과 실패를 정의하도록 허용합니다. 그들은 당신에게 이것 또는 저것을 시도하도록 강요하지 않습니다. 그것은 "좋아, 우리는 그것을 좋아한다. 우리는 그것이 멋지고 영리하며 신경을 곤두세우고 있다고 생각합니다.” 때때로 당신은 그것이 때리는 신경을 분별할 수조차 없습니다.

Treyger: Comedy Central의 모든 사람들은 인재 육성에 많은 관심을 갖고 있습니다. 그들은 만화의 편에 서고 독특한 목소리를 키우는 일을 정말 잘합니다. 그들은 밖에 나가서 코미디와 관련된 일이 일어나는 모든 곳에서 코미디를 봅니다.

Feinstein: Comedy Central의 많은 사람들이 실제로 쇼에 참석한다는 것을 알고 있습니다. 그들은 항상 사무실에 있는 것이 아니라, 만화가가 알고 있고 축제와 클럽에서 많이 어울리는 사람들입니다.

Noah: 그들은 정말로 재능에 관한 것이고 많은 사람들이 다른 네트워크에 갈 때까지 그것을 깨닫지 못합니다. 그런 다음 그들은 "오, 코미디 센트럴에서 일하는 것이 얼마나 재미있는지 몰랐습니다."라고 말합니다. 여전히 광고 소재를 다른 무엇보다 먼저 추진하는 네트워크를 찾는 것은 매우 드뭅니다. 예, 그것은 비즈니스입니다. 하지만 창의적 [측면]은 실제로 진행되고 있는 일의 큰 부분입니다. 그래서 저는 그것이 가장 흥미로운 일이라고 생각합니다. 단지 쇼의 로스터를 보고, 육성되는 재능을 보고, 다음 세대로 네트워크가 이동하는 것을 보는 것입니다.

Lampanelli: 훨씬 더 젊은 프로그래밍이 있습니다. 정말 좋습니다. 나 같은 늙은 년들에게 그것은 일종의 타격입니다. 나이든 사람으로서, 나는 그것이 실제로 나이든 사람을 대표한다고 생각하지 않지만 이해합니다. MTV가 소유하고 있습니다. 18세에서 34세 사이의 인구 통계를 원하시죠. 저는 그것을 전적으로 존중합니다. 하지만 지금은 특히 Trevor Noah가 마음에 듭니다. 그것은 마치 "가져와! 세상은 잘생긴 백인들보다 훨씬 넓습니다. 또한 백인 병아리와 다른 사람들도 많이 있습니다.”

Bell: 솔직히 Comedy Central의 쇼에 출연하게 되어 정말 행운이라고 생각합니다. 그들은 우리가 매우 창의적이고 우리 자신의 목소리를 사용할 수 있게 해주며 많은 메모를 가지고 와서 그들이 당신의 쇼가 되어야 한다고 생각하는 것을 "수정"하려고 하지 않습니다. 그들은 단지 당신이 하고 싶은 대로 하게 하고 실제로 당신의 목소리를 낼 수 있도록 합니다. Charlotte와 나, 그리고 Workaholics 소년들도 알고 있습니다. 지금까지 이러한 쇼의 성공 비결은 창의적인 사람들이 창의적으로 만들 수 있도록 허용하는 것이었습니다.

Adam DeVine( Workaholics ): 제게는 진정한 집이었고 그들이 우리 4명에게서 무언가를 보고 우리에게 기회를 주고, 목소리를 내고, 경력을 주었다는 것이 놀랍습니다. 나는 그들이 많은 유망한 재능을 위해 그렇게 한다고 생각합니다. 그리고 제 생각에 그들이 없었으면 당신이 좋아하는 코미디언도 많지 않았을 것이고 그들에 대해 알지도 못했을 것입니다… 지난 몇 년 동안 정말 상승세를 보였습니다.

Herzog: Kent Alterman과 그의 직원들은 지난 몇 년 동안 우리가 보아온 엄청난 양의 끊임없는 새로운 인재 유입에 큰 책임이 있습니다.

Liebling: Doug와 Kent와 Michele을 오랫동안 그곳에 두었기 때문에 모두가 사람들이 원하는 방식으로 일을 할 수 있도록 많은 지원을 받을 수 있는 창의적인 환경에 전념하고 있습니다.

Jordan Peele ( Key & Peele ): Kent 와 Michele 은 좀 더 다양하게 만드는 방향과 보폭 을 다진 것 같아요. 그렇지 않다면 그들이 리더십을 발휘하는 방식은 분명히 그렇게 하는 분위기를 암시합니다. 하지만 Comedy Central이 그들에게 매우 보람 있는 발전이라고 생각하는 것은 정말 정말 환상적인 발전이라고 생각합니다. 예전에는 코미디가 인구통계학적으로 굉장히 많았고 백인 코미디인 데프잼 이 있는 것처럼 느껴졌습니다.코미디와 코미디에서 여성의 목소리는 꽤 제한적이었습니다. Comedy Central은 거기에 멋진 작은 용광로를 만들어 놓았고, 그것의 아름다움은 목소리가 크게 다르지 않다는 것이 밝혀졌습니다. 여전히 모든 것이 코미디입니다. 웃음을 추구하는 인간의 본성이 작동하는 것과 동일한 수학 및 규칙에 따라 작동합니다. 그래서 대단한 발전입니다. 하지만 네, Kent Alterman과 Michele Ganeless가 큰 도움을 주었다고 생각합니다.

Treyger: 저를 괴롭히는 것 중 하나는 사람들이 “Comedy Central은 남성을 위한 것입니다! 그것은 여성을 대표하는 것이 아닙니다!” Miro Terrell, Anne Harris, JoAnn Girgioni는 내가 만난 세 명의 여성 담당자이며 코미디 센트럴에서 여성들이 정말 놀라운 일을 하고 있습니다. 사람들이 “Comedy Central은 여성에 대해 관심이 없습니다. 어딜가나 남자들뿐이야!" 또는 이러한 트위터 난동에 가거나, 그들은 그들이 말하는 것이 무엇인지 전혀 모릅니다. 이 여성들은 책임자이며 자신이 무엇을 하는지 알고 있습니다. JoAnn은 Comedy Central에서 15년 이상 근무했으며 모든 사람을 보고 함께 일했습니다. 당신이 무언가를 얻지 못하거나 당신이 있는 곳이 마음에 들지 않는다면, 나는 당신에게 그것이 그들이 아니라고 말하고 있습니다. 그들이 수년 동안 함께 일해 온 모든 놀라운 여성들을 인식하십시오.

Feinstein: 뉴욕 사무실에서 일하는 JoAnn Grigioni, Anne Harris, Miro Terrell은 저에게 처음으로 TV 출연을 하게 해 준 사람들입니다. 그래서 한동안 저를 정말 지지해 주었습니다. 그래서 그들은 여성이 주도하는 쇼를 많이 만드는 것이 아니라 훌륭한 여성 임원도 많이 보유하고 있습니다.

리블링: 20년 전의 세계가 지금과 같은 방식으로 코믹하게 반영되지는 않을 것입니다. 모든 세대는 좌절, 위선, 사회적 딜레마에 대해 말할 수 있는 사람들이 필요합니다. 그들은 그들을 위해 그런 것들을 대표하는 사람들이 필요합니다. 그렇기 때문에 브로드 시티 와 에이미 [Schumer], 그리고 시청자에게 감정적으로 말하는 것은 무엇이든 활용하는 이 사람들이 있습니다.

Everett: Broad City , Amy, Nikki, 그리고 여성들이 하고 있는 다양한 스페셜과 같이 Comedy Central에서 더 많은 여성들을 보는 것은 흥미진진합니다 . 사람들이 그것을 원했다는 관객의 반응을 보면 알 수 있습니다. 따라서 전환이 시기 적절하고 Comedy Central과 관객에게 효과가 있다고 생각합니다. 윈윈입니다.

Alterman: 세상은 점점 더 다양해지고 있습니다. 우리는 계속해서 조리개를 열려고 노력했습니다. 내가 처음 네트워크에 도착했을 때 우리 청중이 젊은 남자라는 통념이 조금 있었던 것 같아요. 그래서 여성이 주도하는 쇼의 예는 거의 없었습니다. 우리는 Amy Schumer와 Broad City로 시작하여 Another Period, Nikki Glazer , Idiotsitter로 계속 했습니다 . Key & Peele 을 얻는 것이 중요했습니다.방송중에. 우리는 다양성을 매우 다양한 방식으로 봅니다. 그러나 항상 공통된 유대감은 강한 관점, 말할 것, 강한 비전을 가진 사람들에게서 와야 한다는 것입니다. 그리고 우리는 그들이 가고 있는 장르에 관계없이 재미있고 유지할 수 있는 잠재력을 믿습니다. 장수를 위한 잠재력을 창조하십시오.

Herzog: 우리는 항상 미각을 넓히기 위해 노력하고 있습니다. 이제 채널 역사상 Comedy Central에 더 많은 여성이 있습니다. 사실 오랫동안 우리는 청중이 매우 젊은 남성이었기 때문에 여성들 Comedy Central에서 일할 수 있을지 확신하지 못했습니다 . 그러나 우리는 그 개념을 무너뜨렸습니다. 우리는 항상 민족 구성 측면에서도 다양성을 찾고 있습니다. 하루가 끝나면 우리가 항상 의존하는 것은 재미있는 것을 찾고 있다는 것입니다. 그래서 우리는 그것이 어떤 색인지 상관하지 않습니다. 우리는 성별이 무엇이든 상관하지 않습니다. 우리는 단지 그것이 우리 관객들에게 재미있기를 원합니다. 그래서 여기에서 "우선 재미"가 있지만, 우리가 항상 청중을 넓히고, 다양한 관점을 찾고, 우리가 살고 있는 세상에 누구인지 반영하기 위해 노력하고 있다는 점에는 의문의 여지가 없습니다.

Alazraqui: 인구 통계 및 코미디 스타일과 함께 진화하고 있습니다. 나는 그것이 거기에있는 것을 꽤 대표한다고 생각합니다. 더 똑똑한 라틴계 쇼가 있었으면 좋겠다. Mind Of Mencia도 괜찮고 Gabriel Iglesias도 좋아하지만 OfficeReno 911에 해당하는 라틴계가 있었으면 좋겠습니다 ! 아마 그런 글을 쓰는 건 나에게 달려 있지 않을까? 그러나 그것이 내가 보는 유일한 구멍입니다. In Living Color 유형의 쇼 또는 Reno 911 과 같은 똑똑하고 라틴계 중심의 쇼입니다 ! 또는 키 & 필 . 그 외에는 꽤 괜찮다고 생각합니다.

열쇠:우리는 코미디에서 고정관념과 일반화를 매우 자주 사용하여 다양한 청중을 위한 속기를 가능한 한 빨리 만들 수 있기 때문에 "오, 고정관념을 하고 나면 웃음." 그러나 웃음에는 깊이가 없습니다. 내가 가지고 있는 것이 중요하다고 생각하는 것은 색색의 만화, 우리가 잘 모르는 문화의 만화, 여성의 만화입니다. 우리가 그 모든 다른 이야기를 할 때, 우리는 이렇게 말할 기회를 줍니다. 아무도 그렇게 생각하지 않을 것이라고 생각했습니다. 그렇게 생각한 건 내 경험이 아니었어.” 코미디는 다른 사람들의 이야기를 받아들이도록 우리의 마음을 구부립니다. 그리고 당신이 이야기를 받아들이는 이유는 웃음 때문입니다. 웃음은 다른 사람의 이야기를 받아들이게 만든다. 저는 항상 이렇게 말합니다. “사회적으로,코미디는 한 숟가락의 설탕이 약을 떨어뜨리기 때문에 훌륭합니다.” 웃을 때 다른 수준의 내성을 경험하기 시작합니다. 그리고 당신은 관용을 넘어 수용으로 나아갈 것입니다. 그래서 다양한 종류의 이야기를 들어야 한다고 생각합니다.

Hardwick: 코미디는 하나의 목소리가 되어서는 안 됩니다. 코미디는 가능한 한 다양한 관점을 표현하기 위해 존재합니다.

라센:스탠드업 프론트에서 그것은 아마도 우리 포트폴리오의 가장 다양한 부분일 것입니다. 우리는 Comedy Central 브랜드에 맞는 가장 재미있고 독특한 목소리를 찾기 위해 나갑니다. 스탠드업은 다양한 장소이지만 좋은 농담을 하면 모든 것이 녹아버리는 것과 같습니다. 그런 면에서 나는 우리가 잘 되고 있다고 느낀다. 풍경을 보면 채널에서 매우 하얗게 비뚤어지는데, 확실히 우리가 눈치채지 못한 부분은 아닙니다. 저는 우리가 아프리카계 미국인 청중과 히스패닉 청중과 소통할 수 있는 엄청난 기회가 있다고 생각합니다. 그리고 실제로는 브랜드에 적합하고 적합한 수단을 찾는 것이 중요합니다. 따라서 채널을 켜면 절대 가지 않습니다." 그게 뭔지 모르겠어.” 브랜드의 관점에 맞는지 확인하고 싶습니다. 때로는 도전이 될 수 있다고 생각하지만,그러나 그것은 우리가 앞으로 1, 2년에 걸쳐 알아내기 위해 엄청나게 열심히 노력하고 있는 것이며, 청중의 다양성을 반영하는 더 많은 프로그램을 내놓을 것입니다.

Ganeless: 현재 포트폴리오와 지난 5~7년 간의 포트폴리오가 청중을 더 잘 반영하고 있다고 생각합니다. 우리는 "우리는 흑인 쇼가 필요하고 여성 쇼가 필요하며 아시아 쇼가 필요합니다!"라고 말한 적이 없습니다. "가장 재미있는 사람들은 누구입니까?"입니다. 지금은 엄청난 재능이 있지만 Key & Peele 에서 Amy, Natasha, Nikki, Trevor, Larry 및 Daily Show 의 특파원에 이르기까지 우리가 가진 재능이 있다고 생각합니다.지금 시청자의 큰 반영입니다. 15년 전만 해도 우리 시청자들은 대부분 백인 남성이었고 밀레니얼 세대는 사실 나이가 아니었어요. 이제 Trevor는 이것을 가장 잘 표현합니다. 밀레니얼 세대는 그 어떤 세대보다 다양하며 세상을 아주 다른 방식으로 봅니다. 저는 지금 우리 채널과 채널의 재능이 그것을 반영한다고 생각합니다. 나는 이제 "그들"이기 때문에 "우리"라고 말하는 것을 그만두어야 합니다. 그러나 나는 말할 수 없이 자랑스럽습니다. 저는 그 채널이 존재했던 25년 중 20년 동안 그곳에 있었고 모두가 한 일에 대해 자랑스럽게 생각합니다. 특히 제가 사장으로 재직한 몇 년 동안 많은 훌륭한 목소리가 나왔고 스마트한 프로그램이 많았기 때문입니다.

Larsen: 그녀는 테이블에 많은 것을 가져왔습니다. 나는 Michele을 사랑하고 그녀는 "엄마"와 같았습니다. 우리가 하고 있는 이 미친 사업에서 그녀는 우리 모두를 근거로 삼은 미친 우주에서 제정신인 사람이었습니다. 그녀의 특별한 점은 그녀가 훌륭한 경청자라는 점입니다. 그리고 항상 의견 불일치가 있거나 프로젝트에 감정적으로 관여할 때마다 그녀는 항상 근거를 유지하고 우리가 올바른 이유에 대해 결정을 내리도록 하는 사람이었습니다. . 그녀가 실용주의적이라고 말하지는 않겠지만, 그녀는 세부 사항 지향적이며 큰 그림을 그렸습니다. 그녀는 항상 Comedy Central과 우리가 일을 하는 방식에 차분한 영향을 미쳤습니다. 그녀는 분명히 우리가 그리워하는 사람입니다. 현 리더십이 좋지 않아서가 아닙니다. 개인적으로 그녀는 아름다웠습니다.

알터만:Michele은 이 엄청난 혼란과 격변이 시작된 시기에 Comedy Central을 이끌고 있었습니다. 그녀의 진정한 리더십 강점은 그녀가 매우 결단력 있고 일을 실행하고 끝내는 데 능숙한 사람이라는 것입니다. 동시에 그녀는 편법에 취약한 처지에 놓이지 않았다. 그녀는 풍경이 어떻게 변하고 있는지 보고 있었고 Comedy Central을 단순한 선형 네트워크가 아니라 멀티플랫폼 브랜드로 전환하기 시작한 선구자였습니다. 따라서 한편으로는 믿을 수 없을 정도로 결단력 있는 리더십과 실행력을 가지면서도 변화와 파괴에 정말로 열려 있습니다. 그녀는 여전히 진행중인 많은 불확실성을 통해 사람들을 안내하는 매우 강력한 손을 가졌습니다.아무 것도 해결된 것이 아니라 여전히 지속적인 과정입니다. 하지만 그녀는 실제로 우리가 많은 일을 하는 방법에 대해 질문하고 변화시키도록 부추긴 사람입니다.

가네리스:나 자신을 위해 도전해야 합니다. 그 일이 도전이 아니었던 것은 아닙니다. 저를 믿으십시오. 그러나 나에게 그것은 내 인생의 한 순간일 뿐입니다. 올해 내 거래가 성사되고 "알겠습니다. 다른 일을 해보고 싶습니까?"라고 말하는 타이밍입니다. 어려운 대답은 “네, 다른 걸 해보고 싶어요. 다른 곳에서 뭔가를 만들 수도 있습니다.” 그곳의 시니어 팀이 이끌 준비가 되어 있었기 때문에 타이밍도 적절했습니다. 우리는 지난 몇 년 동안 우리가 필요로 하는 곳에서 시청자를 만날 수 있도록 프로세스와 구조에서 많은 작업을 수행했습니다. 그리고 우리의 과정은 그것을 반영했습니다. 그래서 저는 지난 몇 년 동안—무의식적으로도—저는 이것을 향해 나아가고 있다고 느낍니다. 새로운 근육을 풀고 다른 일을 할 수 있도록 준비하고 준비하는 것입니다. 약간의 휴식 후. 아마도 여름 휴가,내가 운이 좋다면.

이 구전 역사의 많은 Comedy Central 쇼는 AV Club 을 지원 하는 데 도움되는 Amazon 에서 구매할 수 있습니다 .

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